江戸絵画の19世紀（府中市美術館）

江戸時代の芸術と言えば、元禄、文化・文政などという時代区分が使われるが、19世紀という新鮮な区切りを設けて、1800年頃から幕末までの江戸時代の絵画を展示した、ユニークな内容の展覧会。

19世紀という区分では、やはり、北斎の存在感が圧倒的。富嶽三十六景に代表される、その大胆な構図や、いきいきとした人々の表現は、後世、世界中に大きな影響を与えた。

北斎は、1760年生まれだが、主な活躍時期は、19世紀の前半。日本のみならず、ヨーロッパを含めて考えてみても、19世紀は、北斎の世紀と言ってもいいだろう。

亜欧堂田善という名前は、このところ良く目にする。西欧の絵画、版画の技法を学び、数多くの油絵、版画作品を制作した。

遠近法を使って描かれた、当時の町の風景や、郊外の景色は、実に新鮮だ。

亜欧堂田善の作品を目にしてから、北斎や広重の浮世絵を見てみると、実は、浮世絵には遠近法の技法が随所で使われていることがよくわかる。

江戸時代の芸術における、ヨーロッパの影響は、一般に考えられているよりも、かなり大きなものだったのだろう。

浦上玉堂、田能村竹田、岡田米山人らの文人画も、18世紀後半から19世紀にかけて盛んになった。

太平の時代が長く続き、その中で俗世間から距離をとって、独自の芸術世界を夢見た文人画家達の作品は、素朴で、個性的な作品が多い。ルソーやピカソの先駆けと言ってもいいかもしれない。

狩野芳崖と言えば、明治初期の画家、という印象が強いが、その活動は、江戸時代から始まっていた。

文字通り、狩野派の絵師だった芳崖は、フェノロサに出会うまでは、伝統的な狩野派の技法で、典型的な狩野派の絵画を描いていた。

他にも、普段はあまり耳にすることがない、多くの絵師たちの作品を目にすることが出来、大きな満足を味わった。

日本絵画の魅力（出光美術館）

出光美術館の収蔵作品により、日本絵画の魅力に迫る展覧会。

室町時代の北野天神縁起絵巻。いくつかのバージョンが知られている。展示されていた絵巻は、着物がはだけて胸があらわになった女性が、屋敷の中を駆け回っている、という不思議な場面を描いている。

描き方は、かなり稚拙。自分でもこれくらいは描けるのでは？と思ってしまう。現代のマンガに通じるものが感じられる。

鎌倉時代の阿弥陀聖衆来迎図。3枚の掛け軸で、真ん中には阿弥陀如来三尊、両側に、楽器を演奏する仏達が描かれている。

当時使われていた楽器なのだろうか？多くの楽器が描かれている。笛、太鼓、琵琶などが奏でる音楽は、いったいどんな音楽だったのだろうか？興味をそそられる作品。

鎌倉時代末期の十王地獄図。逆さ吊りにされたり、腕をきられたり、燃え盛る血の海に投げ込まれたりと、おぞましい地獄絵だが、十人の王が、画面の上部に机を前にして整然と並んでいる。

まるで、お役所仕事のように、人間を裁き、下に描かれているいろいろな地獄に人を送り込んでいる。

制度化された地獄、といったところだろうか。お役所的なやり方で、地獄に送られたりしたら、普通の地獄よりも、より怖いに違いない。

江戸時代の誰ガ袖屏風。衣装掛けに、色鮮やかな和服が掛けられている様子を描いた屏風絵。人物や風景は全く描かれていない。日本の静物画といったところか。実に、アバンギャルドな作品。

歌川豊国の丸窓美人図。女性の細い髪の毛の一本一本まで丹念に描いており、浮世絵師として知られる豊国の、絵師としての技術力の高さが際立っている。

中国の文化に影響された、浦上玉堂、田能村竹田らの、素朴な文人がの数々が、実にいい。そこには、文人達が思い描く、ユートピアの世界が描かれている。

人間の心の持っている、何かを想像するという、強力なパワーが、これほど強く表れている世界を、私は他に知らない。

酒井抱一の風神雷神図屏風と、八つ橋図屏風。前者は俵屋宗達の、後者は尾形光琳の作品をもとに、独自の観点も加えて描いたもの。

琳派の正統なる継承者であることのへ覚悟と、自分の絵師としての自負が、いずれの作品にもよく表れている。

九州の陶磁展（日本民藝館）

東京、駒場の住宅地にひっそりと佇む、日本民藝館。

今回行われた展覧会は、九州の陶磁がテーマ。

いずれも、柳宗悦が収集したもので、17世紀から19世紀にかけての作品が多い。

九州の陶器と言えば、有田焼、唐津などの名前がすぐに思い浮かぶが、初めて名前を聞く地方の陶器も多く、楽しめた。

熊本の小代焼、鹿児島の龍門司焼、苗代川など、九州の焼き物の産地は、豊臣秀吉の朝鮮遠征で拉致された、朝鮮の陶工によって始められたものが多い。

そうした九州の陶器は、いずれも素朴な味わいをたたえていて、いかにも柳宗悦好みの作品ばかり。

2階の第3室では、大津絵を展示。江戸時代、大津の追分で作られたという素朴な土産絵。

初期の頃の作品は、素朴といえども、それなりに、複雑な絵を書こうという意図が見えるが、時代が下るにつれて、画風は様式的になり、筆使いはよりシンプルになっていく。

同じ2階の第4室では、人形と玩具のコレクションを展示。

鴻巣といえば、子供の頃、ひな人形の店舗が街道沿いに延々と並んでいたことを思い出す。

その鴻巣では、昔から人形が作られていた。展示されていたいくつかの鴻巣人形は、現代の絢爛豪華なひな人形とは、比べ物にならないほど、シンプルで素朴。

勿論、その素朴さが、それらの人形の最大の魅力だ。

マルク・シャガール 版画の奇跡・無限大の色彩（目黒区美術館）

シャガールの3つの版画のシリーズ作品を中心にした展覧会。

まずは、サーカス。シャガールは、1927年に画商のヴォラールから、サーカスをテーマにした版画集の出版を依頼されたが、ヴォラールの死によって、企画は中断された。

その40年後、今度はテリアード社から同様の依頼を受けて、この企画は、ようやく実現した。

サーカスのテントの中で、アクロバットをする人物や、猛獣達が、シャガールの独特の表現で、美しい色彩で描かれている。

人物が空中に浮かんでいる、シャガールの世界は、サーカスを描く画家としては、最も相応しい画家といっていい。

中には、サーカスとは関係のない、シャガールの故郷と思しき、ロシアの農村を描いたような作品も何点かある。シャガールにとっては、サーカスは、そうしたノスタルジックな思いをかき立てる、そんなテーマだったのだろう。

続いての作品は、ダフニスとクロエ。

シャガールは、このギリシャ神話の世界を描くために、ギリシャの地を2度訪れて、3年の後に完成させた。

サーカスでは、自分のイマジネーションを遺憾なく発揮させていたシャガールだが、このダフニスとクロエでは、物語の各シーンを、忠実に再現することに重きを置いている。その分、色の使い方には、かなりの神経を使っており、実に美しい色彩世界を生み出している。

最後の作品は、死せる魂。原作は、シャガールの故郷、ロシアの作家ゴーゴリの作品。ロシアの農奴制を軸に、当時のロシアの世相を強烈に皮肉ったゴーゴリの作品を、シャガールは、ユーモアに溢れた表現で、見事に表現している。

サーカスとダフニスは、色鮮やかな作品だったが、こちらは白黒。それが、逆に、この作品に新鮮な印象を与えている。

この展覧会に行く前に、この死せる魂のオペラ作品をたまたまテレビで見ていたので、オペラとはまた違った趣で、この作品をテーマを味わうことが出来た。

シャガールの作品には、人が中を浮かんでいたり、動物が数多く登場したり、不思議な記号が登場するが、これらは、ユダヤ教の思想が深く関係しているという説があるようだ。

しかし、そうしたことを知らなかったとしても、私は、この画家の世界には、無条件に魅了されてしまう。

コレクションは語る（DIC川村記念美術館）

千葉、佐倉市にあるDIC川村記念美術館。足掛け2年にわたり開催されているコレクション展の3回目。

今回は、”コレクションは語る”と題して、アート作品と言葉の関係がテーマ。

作品を説明するキャプションについての裏話、ルノワールの長ったらしい名前を巡る小さなエピソードなど、普段の美術館ではお目にかからない、裏事情なども紹介されていた。

不思議の国のアリスをテーマにしたコーナーでは、アリスのストーリーが壁に書かれ、そのシーンに関連する収蔵作品を展示する、という凝った構成。

普段は、あまり展示される機会のない、ゾンネンシュターンの作品。色鉛筆で描かれた、グロテスクな漫画のような作品だが、何故か心に残る。

クルト・シュヴィッタースの小さな石膏の作品。無題という名前の後に、（）の中に、切り取られ卵、開いた花、などの、その形状を表す副題がついている。

いずれも、みるからに何でもない作品で、子供が作ったように見える。

この美術館は、ジョセフ・コーネルのコレクションで知られる。普段は、数点の作品しか展示されていないが、今回は、他にも何点かの作品が展示されていた。

アンドレ・ブルトンの写真をもとにした作品。コーネルと言えば、木箱の作品が多いが、これは木箱には入っていない。ブルトンに対する、コーネルの特別な思いが、よく表れている。

明治から昭和にかけて活躍した、山口長男の作品が、まとまって展示されていた。

山口長男は、東京芸術大学で、小磯良平らと同期。その後渡仏し、佐伯祐三らと交流した。帰国後は、具体の吉原治良らと活動を友にして、前衛的な作品を発表した。

展示された作品は、油絵が8点と、いくつかの水彩画と陶器の作品。いずれも、前衛というよりは、シンプルで、日本の水墨画などの禅の影響を受けた作品のように見える。

これまでの、DIC川村記念美術館のコレクション展を振り返ると、この美術館が、他の美術館にはない、独特の個性を持っていることがよくわかる。

5 Rooms 彫刻／オブジェ／立体（川村記念美術館）

色彩のラプソディー（DIC川村記念美術館）

映画をめぐる美術（東京国立近代美術館）

入り口を入ると、何台かの映写機が、展示室の両方の壁に、不思議な映像を写している。地図だけが映された映像、マルグリッドの有名なパイプの絵、雨の中で一生懸命に文字を書いている男などなど。

それらは、この展覧会のサブタイトルにもなっている、マルセル・ブロータースの作品。

ブロータースは、ベルギー出身の芸術家で、シュールレアリスムの活動にも参画した。彼にとって、映画は、純粋な映像作品というよりは、書くための新たな方法、だった。

そのブロータースの考えをヒントに、映画と言葉にまつわる作品を集めたのが、この展覧会。ブロータース以外の作家の作品は、その最初の部屋から放射状に続く、6つの部屋に展示されている。シネコンを模した、ユニークな展示構成だ。

各部屋に続く通路は、黒いカーテンで覆われており、シネコンというより、大学の学園祭の雰囲気。こういうのは、嫌いじゃない。

1つ目の部屋は、シンディ・シャーマンの写真作品と、アナ・トーフのスライド・インスタレーションの展示。

白黒の女性のアップの写真と、言葉を記したスライドが、交互に映し出される。言葉は、どうやら、ジャンヌ・ダルクに対する、尋問の言葉のようだ。

女性の表情は、涙を流しているものもあれば、何事かを考えているような表情もある。写真の女性は、尋問を受けたジャンヌ・ダルクの気持ちを、表現で再現しているようだ。

2つ目の部屋は、やなぎみわの作品。女子学生が、ジョン・カサベスのグロリアを再現し、撮影する様子を、2つの画面で、ドキュメンタリー仕立てにまとめている。

もう一つは、ピエール・ユイグの第三の記憶。実話に基づく、アル・パチーノ主演のシドニー・ルメット監督の狼たちの午後を題材に、映画では描かれなかったエピソードなども紹介しながら、素人地味た味わいで再現した作品。

映像が映されていた隣の部屋には、実話について紹介した、当時の新聞記事などが展示されていた。

3つ目の部屋は、田中功起の作品を展示。日本中を旅しながら、コーヒーを煎れるための道具を購入する、という様子のスナップ写真の映像や、訪れた場所を記した日本地図などを展示。

4つ目の部屋は、エリック・ボードレールによる影像作品。重信房子、そも娘のメイ、足立正生のインタビューを、何気ない映像とともにドキュメンタリーにまとめている。

作品の名前は、重信房子、メイ、足立正生のアナバシス、そして、映像のない27年間。映像のない27年間、という部分に、この作品のテーマが、よく表れている。

その部屋で配られた小さな冊子には、その3人を中心とした、日本赤軍の歴史が綴られていた。日本が、経済成長を遂げて行った時代に、その裏側にあった、もう一つの歴史が、淡々とした映像で語られる。

5つ目の部屋は、アクラム・ダザリの、タイプライターに打たれていく言葉を映し、それで男女のストーリーを語らせるという映像作品と、アンリ・サラのインテルヴィスタという作品。

インテルヴィスタとは、インタビューのこと。アルバニアにおいて、社会主義政権時代に撮影された党大会の映像を、そこに映っている女性の息子が、母親にその当時のことを尋ねるという作品。

その党大会の映像には、音がない。作者は、その言葉を映像に映る口の動きから読み取り、字幕をつけて、母親に見せて、当時の記憶を蘇らせる。

最後の6つ目の部屋には、3人の作家の作品。ミン・ウォンは、たくさんの映画館をポラロイド写真で撮影している。

ダヤニー・シンは、インドの役所の中のモノクロ写真。膨大な紙の書類が、延々と映されている。いったい、これらの記録を、誰が見るのだろうか？

アイザック・ジュリアンのアフリカの亡霊。3つの大きな壁に映し出された映像で、現在のアフリカと、過去のアフリカの映像を織り交ぜて、不思議な映像世界を作り上げている。

映像作品を、映像そのものの表現ではなく、言葉との関係で捉えようとする、そのユニークな試みは、大きな成功を収めていたように思えた。

医は仁術（国立科学博物館）

”医は仁術”という言葉をキーワードに、江戸時代以降の日本の医療の歴史をたどる展覧会。

何よりも驚かされたのは、江戸時代に行われた、解剖の様子を描いた図の数々。実にリアルに、解剖の様子、取り出された臓器、などが、色鮮やかに描かれている。

華岡雪舟の妻で有名な、華岡雪舟による、日本で最初と言われる外科手術の記録。老女の乳がんを摘出する手術の様子、摘出された腫瘍の様子が、まるで動植物を観察するような視点で、冷静に物として描かれている。

江戸時代に作られた、電気を発生させるエレキテル。平賀源内が作った物ではないが、同じ原理の物を、江戸幕府に関係する役人が作ったとのこと。

江戸時代の人々の、技術力と好奇心が詰まっているようだ。

こちらは、ヨーロッパからもたらされた顕微鏡をもとに作られた模倣品。木で出来ているところが、和の感じがする。

長崎経由で、オランダからもたらされた西洋の最新の技術情報は、江戸時代の日本の姿を、徐々に変化させていった。

そうした、西洋の新しい技術や知識とは別に。当時の庶民の間では、いわゆる民間療法が広まっていた。

現代においても、何かを食べると体にいいとか、ふとももをもむと体にいいとか、同じようなことが言われ、多くの人が実践している。

時代が変わっても、健康に暮らしたいという人々の気持ちに、変わりはない。

どうやら、江戸時代、という言葉から想像するものと、実際の当時の様子には、おおきなギャップがあるように感じられた。

Horyuji : Prayers and their Images (The University Art Museum - Tokyo University of the Arts)

(Translated by Google Translate)

Horyuji exhibition was held at the Tokyo National University of Fine Arts and Music Museum.

The attractions, exhibition of replication of Horyuji Kondo mural. In this venue, Suzuki Kunyo, replicated four works, such as Amitabha Pure Land view were exhibited.

Rather than reproduce the figure at the time it was drawn, and replicate the state as it is when the Suzuki drew, so-called status quo replicated. The technique suggests that some spilled reality this replication to reverse.

In another venue, the room which reproduced the interior of the Horyuji Kondo is created, a copy of the replication of them were on display at the life-size on the wall.

After competing in the Sino-Japanese War, was witnessing a tragic battlefield, studied painting at Tokyo National University of Fine Arts and Music, in its lifetime, three times, Suzuki Kunyo conducted a replication of this Horyuji Kondo mural. Today, people who know the name is limited.

The life, deep inside, chopped a deep, deep impression.

The Year of Horyuji was created, although not known yet. However, it was 7 century seems certain.

The venue, such as cloth, a garment that leaves a vivid shade of today was created in the 7th century, Buddhist statues and the like Bodhisattva, and Phoenix, and angel was part of the building of the main hall was on display.

Speaking of the 7th century, the same century as the so-called Taika Reform. When in front of the thing which was made in that era, I can not help thinking that what a history.

In the form of the simple prayer, I felt the national newborn still, things like the Uiuishi.

Made between the Kamakura period from Heian period, Bugaku surface. Carved dragon on top of the surface, the surface of the tomb of King elaborate making. And, some aspects of the swelling used in Ninomai. The two was impressive.

法隆寺ー祈りとかたち（東京芸術大学美術館）

東京芸術大学美術館で行われた法隆寺展。

見所は、法隆寺金堂壁画の模写の展示。本会場では、鈴木空如による、阿弥陀浄土図などの4つの模写作品が展示された。

描かれた当時の姿に再現するのではなく、鈴木が描いた時のそのままの状態を模写した、いわゆる現状模写。その手法が、逆にこの模写をリアティ溢れたものにしている。

別会場では、法隆寺金堂の内部を再現した部屋が作られ、壁にはそれらの模写のコピーが実物大で展示されていた。

鈴木空如は、日清戦争に参戦し、悲惨な戦場を目の当たりにした後、東京芸術大学で絵を学び、その生涯で、3度も、この法隆寺金堂壁画の模写を行った。今日では、その名を知る人は限られている。

その生涯は、心の奥底に、深い深い印象を刻んだ。

法隆寺が作られた年は、いまだにわかってはいない。しかし、7世紀であったことは確かなようだ。

会場には、その7世紀に作られた、菩薩像などの仏像や、金堂の建物の一部だった天女や鳳凰、そして今の鮮やかな色合いを残す衣の布、などが展示されていた。

7世紀といえば、いわゆる大化の改新と同じ世紀。その時代に作られた物を目の前にすると、歴史とは何か、ということを考えずにはいられない。

その素朴な祈りのかたちの中に、まだ生まれたばかりの国家の、ういういしさのような物を感じた。

平安時代から鎌倉時代にかけて作られた、舞楽面。面の上に龍の彫刻を施した、精巧な作りの陵王の面。そして、二の舞で使われる腫れもののある面。その二つが印象的だった。

Roots of Zen: Yosai and the Treasures of Kenninji (Tokyo National Museum)

(Translated by Google Translate)

Speaking of Eisai, absolutely, and thus by comparing the Dogen of the Soto sect.

It sets itself apart from the relationship with the worldly, to build up deep in the mountains of Eiheiji Hokuriku, Dogen was Akekure Zen earnestly.

In Kenninji of Kyoto, while building a relationship with those in power, Eisai on the other hand, was spread to the general public the Rinzai Zen.

Of course, I liked the person of Dogen.

Took place in this Tokyo National Museum, also Kenninji Exhibition Eisai, and was carried out by hand in such prejudice.

At the entrance of the venue, bronze statue of Eisai will greet visitors. The noticeable, and that the head is large first. Length of the forehead is nothing less than astounding in particular. Seems to be Frankenstein.

Eisai have learned over the Zen so, but at the same time, I was brought back to Japan the culture of tea. If you look and beautiful celadon as oil droplets or Tenmoku bowl, and suggests the appearance of prosperity at the time of the Song Dynasty.

Text of many of the autograph of Eisai was also on display. Speaking of text that was written by Eisai, only "cafe-mentioned curing" is famous among other things, the text of the other, little is known in general.

Some and the Lotus Sutra, and text, involved in esoteric Buddhism, and documents related to the reconstruction of Todai-ji Temple. When you see them, it can be seen that I can not fit in the framework Eisai that the founder, just Rinzai sect, led to the latest Song of Buddhism at the time, it was there, such as the general producer.

Kenninji was devastated by disruption of the Onin War, but of Ankokuji Ekei of Samurai Thus the revival, in that era, by painters such as Umikita Tomomatsu and Kano Yama-raku, brilliant painting the world was created.

For Kano Yama-raku, since not regret hurt that he forgot to go to the exhibition before, took place in Kyoto, I was able to clear up the regret a little.

Seven Sages of the Bamboo Forest figure screen Hasegawa Tohaku. Between glimpse from bamboo Seven Wise Men, expression of young boy is pretty, and pleasing.

Cowboy view of Nagasawa Ashiyuki. Without using a brush, and painted using your fingers, rustic cowboy figure. Expression of cattle that were drawn using a blur, really humorous.

Near the Kenninji, Chin'oji deities. Temple of Yukari, hell picture was exhibited several points in Ononotakamura dividing said he went to hell.

While rustic touch, sight of people or pulled out your teeth demon, or burned to fire in a pool of blood hell is depicted realistically.

And, at the end of the hall, Fujin Raijin view of Tawaraya Sotatsu. The work, which is also the centerpiece of this exhibition.

Indeed, in front of this painting, many people are flocking. They see from a distance, or try to close, it's variety.

So far, I saw it many times on TV and photo book, but it's a mysterious picture.

Brush strokes are really simple. One by one, hair is drawn carefully, but the line of the body is a fairly rough, clouds thunder and Fujin are riding is drawn unceremoniously in the technique of the blur.

From the genealogy of this picture, Rimpa of Ogata Korin is born. Appearance of the God comical, leads to Japanese animation of current. It is also possible in the laughter of Raijin and Fujin, to read the philosophical thought.

From the perspective of the viewer, various really come to see. What is the mellow is probably a biggest attraction of this picture.

栄西と建仁寺（東京国立博物館）

栄西といえば、どうしても、曹洞宗の道元と比較してしまう。

道元は、俗世との関係に一線を画して、北陸の山奥の永平寺に籠り、ひたすら禅に明け暮れた。

一方の栄西は、京都の建仁寺で、権力者との関係を築きつつ、臨済禅を一般社会に普及させた。

勿論、私は、道元の方が好きだった。

この東京国立博物館で行われた、栄西と建仁寺展にも、そんな偏見を携えて行った。

会場の入口で、栄西の銅像が来場者を出迎える。まず目に付くには、頭が大きいこと。特に額の広さが、尋常ではない。フランケンシュタインのようだ。

栄西は、宋に渡り禅を学んだが、同時に、お茶の文化を日本に持ち帰った。油滴天目茶碗や美しい青磁などを見ると、当時の宋の繁栄の様子がうかがえる。

栄西の直筆の多くの文章も展示されていた。栄西の書いた文章と言えば、『喫茶養生記』だけがとりわけ有名で、それ以外の文章は、一般にはほとんど知られていない。

法華経や、密教に関わる文章、そして、東大寺の再建に関わる文書などがある。それらを見ると、栄西が単なる臨済宗の開祖、という枠では収まりきれない、当時の宋の最新仏教をもたらした、総合プロデューサーのような存在だったことがわかる。

当然のことながら、禅僧という立場から見れば、『喫茶養生記』は、余技の世界のことだろうが、それが現代では栄西の主著、と考えられていることは、皮肉に感じられる。

建仁寺は、応仁の乱の混乱で荒廃したが、戦国武将の安国寺恵瓊のよって再興され、その時代に、狩野山楽や海北友松などの絵師によって、華麗な絵画世界が生み出された。

狩野山楽については、以前、京都で行われた展覧会に行きそびれたことを痛く後悔していたので、少しはその後悔を晴らすことができた。

長谷川等伯の竹林七賢人図屏風。七賢人を竹の合間から垣間みる、少年の幼い表情が可愛らしく、微笑ましい。

長沢蘆雪の牧童吹笛図。筆を使わずに、指などを使って描いたという、素朴な牧童図。ぼかしを使って描かれた牛の表情が、実にユーモラス。

建仁寺の近くにある、六道珍皇寺。地獄に行ったと言いわれる小野篁にゆかりの寺で、何点か地獄絵が展示されていた。

鬼に歯を抜かれたり、血の池地獄で火に焼かれたりする人々の姿が、素朴なタッチながら、リアルに描かれている。

そして、会場の最後には、俵屋宗達の風神雷神図。この展覧会の目玉でもある作品。

さすがに、この絵の前には、多くの人が群がっている。遠くから見たり、近づいてみたり、いろいろだ。

これまでに、写真集やテレビでも何度も目にしているが、何とも不思議な絵だ。

筆使いは実にシンプル。髪の毛は一本一本、丹念に描いているが、体の線はかなり大雑把で、風神と雷神が乗っている雲は、ぼかしの技法であっさりと描かれている。

この絵の系譜からは、尾形光琳の琳派が生まれている。そのコミカルな神の姿は、現在の日本のアニメーションにも繋がる。風神と雷神の笑いの中に、哲学的な思想を読み取ることもできる。

見る人の視点で、実に様々なものが見えてくる。その豊潤さこそが、この絵の最大の魅力なのだろう。

Pablo Picasso - Ceramic Works (The Museum of Modern Art, Saitama)

(Translated by Google Translate)

In 1946 after World War II, he met in a small pottery town of Vallauris Mediterranean visited by chance, then, Picasso, was supposed to be working on pottery in earnest.

Then, in the workshop of Madura workshop of the Vallauris, Picasso created a ceramic works of several thousand points.

Of its vast work, about 100 points approximately, were exhibited at the exhibition of the Museum of Modern Art, Saitama.

However, not where Picasso was made ​​directly from the original Picasso, works the most, that's what craftsmen of Madura studio made.

The ceramic works of Picasso, many times, so far have seen at the museum that bears the name of Picasso.

Though, as a child made​​, molding that looks the childish.

However, I do not know why, but in that childish modeling, no matter how many times you can see, there is something, appeal in the mind.

I think honestly, if I want to go to this exhibition, called, "would not be a Picasso too late" also was not without but, and then trying to eye the work was actually able to meet the new discovery.

The venue, also other than pottery, interesting work, there were several.

Made with the technique of aquatint, a series of bullfighting. And that it was used as illustrations of the autobiography of a bullfighter.

Scenes from the matador et al to admission, cattle until carried away, the entire flow of bullfighting is depicted, such as the black-and-white drawing of Japan though, in the world of only black and white.

Cattle and people, are represented simple really, in a way of the brush tip black. The sense of the distinguished, still, I can feel the "is becoming just such" of this painter.

Made of a lithograph of 18 pieces, of two nude women. Yet the same composition, in a variety of patterns, rough two people are drawn.

Relatively, from the first work that depicts a person decent, its shape is gradually collapsed gradually, in the last work, the "like Picasso" literally, you have to change figures.

Or alternatively, like abandoned the commitment to the final form of the work, to the idea, such as the variation of music, the charm of this painter is felt.

Oh. Why do not I finished, the labyrinth of this painter named Picasso, it seemed to have strayed once again.

ピカソの陶芸（埼玉近代美術館）

ピカソは、第2次世界大戦後の1946年、たまたま訪れた地中海のヴァロリスという小さな町で陶芸に出会い、その後、本格的に陶芸に取り組むことになった。

その後、そのヴァロリスのマドゥラ工房という工房で、ピカソは数千点の陶芸作品を作り上げた。

その膨大な作品のうち、およそ100点ほどが、埼玉近代美術館の展覧会で展示された。

ただし、そのほとんどの作品は、ピカソが直接作ったものではなく、ピカソのオリジナルから、マドゥラ工房の職人達が作ったものだという。

ピカソの陶芸作品は、これまで何度も、ピカソの名前を冠する美術館で目にしてきた。

まるで、子供が作ったような、その幼稚に見える造形。

しかし、なぜだかわからないが、その幼稚な造形の中には、何度見ても、何か、心の中に訴えるものがある。

正直、この展覧会に行くまでは、”今さらピカソでもないだろう”、という思いもなくはなかったが、実際にその作品を目にしてみると、新たな発見に出会えた。

会場には、陶芸以外にも、面白い作品が、いくつかあった。

アクアチント、という手法で作られた、闘牛のシリーズ。ある闘牛士の自伝の挿絵として使われたという。

マタドールらが入場するシーンから、牛が運び出されるまでの、闘牛の流れ全体が、まるで日本の水墨画のような、黒と白だけの世界で描かれている。

人や牛は、実にシンプルな、黒い筆先のような形で表現されている。その抜群のセンスには、やはり、この画家の”ただならなさ”が感じられる。

18枚のリトグラフで構成された、二人の裸婦。同じ構図でありながら、いろいろなパターンで、二人の裸婦が描かれている。

比較的、まともに人物を描いた最初の作品から、徐々にその形が崩れていき、最後の作品では、文字通り”ピカソらしい”、人物像に変化している。

作品の最終的な形へのこだわりを放棄したような、あるいは、音楽の変奏曲のようなその着想に、この画家の魅力が感じられる。

あーあ。終わってみたら、このピカソという画家の迷宮に、またまた迷い込んでしまったようだ。

Fascinating Japanese Woodcuts Prints (Yokohama Museum of Art)

(Translated by Google Translate)

Exhibition since the Meiji era, was held following the flow of Japanese woodblock prints to modern, Yokohama Museum of Art.

Was exhibited at the soon as I entered the venue, the number of paper with colored figures of the Meiji era ways. Colorful patterns and flowers are really beautiful.

Also work either, the author's name does not remain. 's Beauty anonymous.

Speaking of Takehisa Yumeji, is known for beautiful images of frail women, but he also design the picture envelope and paper with colored figures. Absolutely, and its shade, was designed of, ginkgo, such as camellia, not associated with the image of Takehisa Yumeji.

Shiko Munakata of Hanakari. Riding on the horse of three animals, and have a pose like like shoot an animal with a bow and arrow, but in the hand, not bow and arrow. In such surroundings, the birds fly, flowers are scattered.

Work was made ​​with a unique idea that instead of being hunted animal, that has bought a flower. If you look good approaching, it can be seen well digging traces of chisel.

Also in this exhibition, intense energy work of Shiko Munakata this is, give off around it, was pushing, which other works.

In order to learn Charles Bartlett, Helen Hyde, Bertha Lum, and Emile Orlic, and technology of ukiyo-e, the number of the works printmaker who visited Japan is produced each.

With a fine delicate portrayal, scenery and Japan, and women kimono, both, are beautifully expressed.

In the corner of the last works of woodblock artist of modern three people were on display.

Taking advantage of a grain of woodblocks, Kiritsuki Saki showcased the work with a focus on dance. Are reminiscent of the rhythm of the dance, strange curve of the wood grain, is finished in a unique piece.

The painting, I was able to enjoy more than enough, the world of woodblock prints with a different atmosphere.

魅惑のニッポン木版画（横浜美術館）

明治以降、現代までの日本の木版画の流れをたどる、横浜美術館で開催された展覧会。

会場を入ってすぐのところに展示されていた、明治時代の千代紙の数々。草花や色鮮やかな文様が、実に美しい。

いずれの作品も、作者の名前は残っていない。無名の美しさだ。

竹久夢二といえば、か弱い女性の美人画で知られるが、千代紙や絵封筒のデザインも行っていた。その色合いや、デザイン化された、いちょう、椿などは、どうしても、竹久夢二のイメージとは結びつかない。

棟方志功の華狩頌。3匹の馬に乗って、弓矢で動物を射るようなようなポーズをしているが、その手には、弓矢はない。その周囲には、鳥が飛び、花が散っている。

動物を狩っているのではなく、花を狩っている、というユニークな着想で作られた作品。近づいてよく見ると、彫刻刀の堀り跡がよくわかる。

この棟方志功の作品が、周囲に放っている強烈なエネルギーは、この展覧会でも、他のどの作品を、圧していた。

チャールズ・バートレット、ヘレン・ハイド、バーサ・ラム、エミール・オルリック、といった、浮世絵の技術を学ぶために、日本を訪れた版画家たちが制作した作品の数々。

いずれも、日本の風景や、和服姿の女性などを、細かい繊細な描写で、見事に表現している。

最後のコーナーには、3人の現代の木版画家の作品が展示されていた。

桐月沙樹は、版木の木目を活かして、ダンスを中心とした作品を展示。木目の不思議な曲線が、ダンスのリズムを連想させ、ユニークな作品に仕上がっている。

絵画とは、違った雰囲気をもった木版画の世界を、十二分に堪能できた。

Paintings by Painters who have been to Paris (Sen-Oku Hakuko Kan, Tokyo)

(Translated by Google Translate)

Many people were visiting to Sen-Oku Hakuko Kan, Tokyo at Golden Week.

Meiji era, and over to Europe, works of painters who studied the picture, were exhibited about 60 points.

Absolutely, eye had gone to work of famous painters.

Of Foujita, Roh Roh fireplace lady image before. It's women's image of literally, the table in front of the women, three cats are drawn, also on the back of the woman, cat looking through.

No matter how you look at it, is the primary concern of this picture, rather than a woman, with a look such Tage said even with, I wonder what it is that he wanted to express in the cat, the character of the woman who has become a model, cats stare here 's reach.

Migishi of Setsuko, flower. The vase, white flowers and red flowers are cool. It is a theme that is common, but only those that are drawn there, not. If you see what eyes, flowers in front of the eyes and wonder as this draw.

Way to go work Migishi Setsuko one another to Nice. France to his son lived already, and landscape of Nice visited when he rushed later. It is the theme of the way, but, in the center of the picture, it is drawn yellow building, and, Den.

Migishi Setsuko would wanted to draw anyway, shining in the bright blue sky, the yellow building.

Kuroda Kiyotaka, garden. In the background of the sallow, flowers or what this is depicted. Rather like a foreign film, it is not felt perspective. Like, artworks such as Rimpa.

Watercolor of two of Asai Chu. And forest, gray, riverside mansion. I wish good, it is good anyway. Watercolor unique, full of clarity, shades of gentle pastel, really beautiful.

Umehara Ryuzaburo, and Kirishima,, Asama. With primary colors, bold touch of Umehara's features, but work of these two, somewhat docile. On the contrary, it gives a fresh impression in this picture.

Work Yuzo Saeki drew a rare fish, mackerel. Unique touch of Saeki hid breath a little, I have drawn carefully mackerel target.

ちょっとパリまで、ずーっとパリで（泉屋博古館）

いつもは、ガラガラの六本木の泉屋博古館だが、さすがにゴールデンウィークとあって、珍しく、多くの人が訪れていた。

明治以降、ヨーロッパに渡り、絵を学んだ画家達の作品が、およそ60点展示された。

どうしても、有名な画家達の作品に目がいってしまう。

藤田嗣治の、暖炉ノ前ノ婦人像。文字通りの婦人像だが、婦人の前のテーブルには、3匹のネコが描かれ、婦人の背中にも、ネコが覗いている。

モデルとなっている婦人の性格を、ネコで表現したかったということが、どう見ても、この絵の主役は、婦人ではなく、どうだ、とでも言いたげな表情で、こちらを見つめるネコ達だ。

三岸節子の、花。花瓶に、赤い花と白い花が活けられている。ありがちなテーマだが、そこに描かれているものは、ただものではない。目の前にある花を、どのような目で見たら、このように描けるのだろうか。

もうひとつの三岸節子の作品、ニースへ行く道。息子がすでに暮らしていたフランスに、後からかけつけた際に訪れたニースの風景。道、というテーマだが、絵の中心には、黄色い建物が、でん、と描かれている。

三岸節子は、とにかく、抜けるような青い空に映える、その黄色い建物を描きたかったのだろう。

黒田清隆の、庭園。土色の背景に、何本かの草花が描かれている。洋画らしくなく、遠近感が感じられない。まるで、琳派のような作品。

浅井忠の2枚の水彩画。グレーの森、と、河畔洋館。うまいなあ、とにかくうまい。水彩画独特の、透明感溢れた、やさしいパステル調の色合いが、実に美しい。

梅原龍三郎の、霧島、と、浅間山。原色を使った、大胆なタッチが特徴の梅原だが、この2つの作品は、ややおとなしい。それが、逆に、この絵に新鮮な印象を与える。

佐伯祐三が珍しく魚を描いた作品、鯖。佐伯の独特のタッチはやや息をひそめ、対象の鯖を丹念に描いている。

Hochu Meets Korin (Chiba City Museum of Art)

(Translated by Google Translate)

Nakamura Hochu that was yearning, corner The first exhibition of pottery and Kenzan Ogata Korin and Ogata,.

Iris laevigata view of Korin. Rather than a folding screen picture that is a national treasure, it's gold leaf, but this is a little piece. Korin painted Iris laevigata well.

And, some people took over the Korin, while referring to the Iris laevigata of Korin, everyone continued to draw a Iris laevigata their own.

The image of Iris laevigata, was special for Rimpa. The flower of one, is a symbol of the school of one, interesting.

Really, is the protagonist of this exhibition, Nakamura Hochu wonder what drew what Iris laevigata?

Things that Nakamura Hochu, to the extent that knew the name, the impression of work, there was no.

The work of Nakamura Yoshichu, works using the so-called Tarashikomi often. To work most, the technique is being used. It might be good to go with overuse,. Honestly, the person of the last, weariness had come a little.

Surprisingly, the Korin, that was yearning to Korin, Iris laevigata Nakamura Hochu was the Iris laevigata that was a little different.

The Iris laevigata of Korin, that you are drawn to copy a large amount, the Iris laevigata of similar shape is often, by design of the shape of a flower, Iris laevigata Kaoru in, clearly, the flowers one by one but drawn separately.

After born in Kyoto, was as a painter in Osaka, out into the Edo, Nakamura Hochu has published a collection of painting flowers you choose from the works of Korin, animal, such as a person to "Korin picture book". Among them, a picture of cute puppy is impressive.

In Edo at the time, Sakai Hoitsu is, has started the activities of the so-called Edo Rimpa already, the Nakamura Hochu, seems there is no room to play an active part in Edo. Yoshichu are back to Osaka soon.

In the works other than the Nakamura Yoshichu, works of painter who was active in Osaka with a focus on Kenkado Kimura, in the same era as Hochu were also on display.

Usually, there is no opportunity to the eye too, from such work, the height of the cultural level of Osaka at the time, it was interesting.

Nakamura Hochu is, the first half also produce death ages that is not known with certainty.

However, the first half also produce than death age, people of that until today, many works, that have continued to protect the hands of someone about this, that a man named this Nakamura Hochu is, of whether was any person I speak for themselves, well.

光琳を慕う 中村芳中（千葉市美術館）

最初のコーナーは、中村芳中が慕っていたという、尾形光琳、そして尾形乾山の焼物などの展示。

光琳の燕子花図。これは、国宝になっている屏風絵ではなく、金箔だが小さな作品。光琳は、よく燕子花を描いた。

そして、その光琳を引き継いだ人々も、光琳の燕子花を参考にしながら、皆、自分の燕子花を描き続けた。

燕子花というイメージは、琳派にとっては特別なものだった。1つの花が、1つの流派を象徴していることが、興味深い。

果たして、この展覧会の主役である、中村芳中は、どのような燕子花を描いたのだろうか？

その中村芳中のことは、名前を知っていた程度で、作品についての印象は、全くなかった。

中村芳中の作品は、いわゆるたらし込みを使った作品が多い。ほとんどの作品に、その技法が使われている。使い過ぎ、といってもいいかもしれない。正直、最後の方は、少し飽きが来てしまった。

光琳を慕っていたという、中村芳中の燕子花は、意外にも、光琳とは、少し違った燕子花だった。

光琳の燕子花は、同じような形の燕子花を、大量にコピーするように描いていることが多いが、芳中の燕子花は、花の形をデザイン化して、一つ一つの花を、明確に分けて描いている。

中村芳中は、京都に生まれ、大阪で絵師としてした後に、江戸に出て、光琳の作品から選んだ花、動物、人物などの絵を集めた『光琳画譜』を出版した。中でも、かわいらしい子犬の絵が印象的だ。

当時の江戸では、すでに酒井抱一が、いわゆる江戸琳派の活動を始めており、中村芳中には、江戸で活躍する余地がなかったようだ。芳中は、すぐ大阪に戻っている。

中村芳中の作品以外にも、木村蒹葭堂を中心とした、芳中と同じ時代に大阪で活躍した絵師達の作品も展示されていた。

普段は、あまり目にする機会のない、そうした作品からは、当時の大阪の文化レベルの高さがうかがえて、興味深かった。

中村芳中は、その前半生も没年齢もはっきりとはわかっていないという。

しかし、これほど多くの作品が、今日まで、誰かの手によって守り続けられてきたということの方が、その前半生も没年齢よりも、この中村芳中という人物が、どんな人物であったかということを、よく物語っている。

Collection of Museo Poldi Pezzoli : The Aristocratic Palace and its Beauty (Bunkamura The Museum)

(Translated by Google Translate)

Exhibition with a focus on maternal and nobility of Milan, the collection by Jean Giacomo Poldi Pettsu~ori, the Italian art of Poldi Pettsu~ori Museum.

Near the entrance, armor of knight for which was made in the 16th century, helmet, and shield were on display, but was fascinated by the decoration of elaborate surface.

In Japan, it is not be introduced too, may be a direct eye armor such as Europe, very rare occasions.

After that, of the 16th century from the 14th century, many of tempera painting colorful continue. There were there a little different with Raphael and Leonardo da Vinci, the figure of Renaissance Italy.

Work, such as Raphael and Da Vinci, does not mean that it exists so much. Rather, the people of the time, opportunity to eye, towards the picture painters lesser-known by now will in many cases.

In that sense, it may be said what the person of such works, and the true figure of the Italian Renaissance.

Is the centerpiece of this exhibition, Portrait of a Lady of Piero del Porraiu~oro. Format which drew from the side, which is a feature of Renaissance painting, the upper body. To one one of blonde hair, the painter have drawn carefully. A beautiful piece of useless commentary.

Botticelli, condolences to the Dead Christ. Centered on Christ taken down from the cross, and the Virgin Mary is to end sorrow. Expression of grief for that one person is depicted realistically.

Work was painted after Botticelli is, is affected by the preaching of Savonarola, became devout Christians. Different from the birth of Venus, is another world of Botticelli, was there.

Other, impressive beautiful illustrations, the present of valuable letterpress printing was published in 1499. Such as those drawn with ink, the stage of the opera made ​​in commemoration of the marriage of the royal family to each other in 1750, interesting work was also on display.

I was able to taste, a collection of European nobility, the shape of one.

ミラノ ポルディ・ペッツォーリ美術館 華麗なる貴族コレクション（Bunkamura ザ・ミュージアム）

ミラノの貴族、ジャン・ジャコモ・ポルディ・ペッツォーリによるコレクションを母体とする、ポルディ・ペッツォーリ美術館のイタリア美術を中心とした展覧会。

入口近くに、16世紀に作られた騎士用の甲冑、兜、盾などが展示されていたが、その精巧な表面の装飾に目を奪われた。

ヨーロッパの甲冑類は、日本では、あまり紹介されることがないので、直接目にすることが出来る、実に貴重な機会。

その後は、14世紀から16世紀にかけての、色鮮やかなテンペラ画の数々が続く。ダ・ヴィンチやラファエロとは少し違う、イタリアルネサンスの姿がそこにはあった。

ダ・ヴィンチやラファエロなどの作品は、それほど多く存在する訳ではない。むしろ、当時の人々は、今ではあまり有名でない画家たちの絵の方を、目にする機会が多かっただろう。

その意味で、そうした作品の方こそが、イタリアルネサンスの本当の姿と言えるかもしれない。

この展覧会の目玉である、ピエロ・デル・ポッライウォーロの貴婦人の肖像。ルネサンス絵画の特徴である、上半身を真横から描いた形式。金髪の髪の毛の一本一本まで、丹念に描いている。解説無用の美しい作品。

ボッティチェッリの、死せるキリストへの哀悼。十字架から降ろされたキリストを中心に、聖母マリアなどが悲しみに暮れている。その一人一人の悲しみの表情が、リアルに描かれている。

ボッティチェッリが、サボナローラの説教に影響され、敬虔なキリスト教徒になった後に描かれた作品。ビーナスの誕生とは違った、ボッティチェッリのもう一つの世界が、そこにはあった。

他にも、美しい挿絵が印象的な、1499年に出版された貴重な活版印刷の本。1750年に王族同士の結婚の記念に行われたオペラの舞台を、インクで描いたものなど、興味深い作品も展示されていた。

ヨーロッパの貴族のコレクションの、一つの形を、味わうことが出来た。

A Retrospective Balthus (Tokyo Metropolitan Art Museum)

(Translated by Google Translate)

This year, one of the exhibition that was most looking forward to.

Speaking of Balthus, absolutely, image of painter, which drew a picture erotic girl is strong.

Work called Therese, that dream is just such a work. The couch in the room, causing the front side of the body, a girl sitting, with one's feet splayed out innocently, white underwear are excluded.

In this picture, by not being shown in the small child? I thought it was, but the children of elementary school students about also was visiting the venue. Something like a board to write the picture in the magic pen, are available at the entrance, it seems can if they wish and use it to replicate the painting of Balthus.

Well, looking at the Therese Dreaming, the pose of Therese also, it can be seen that the composition has been devised.

To the left, there is a shelf and chair, and sheets pot is drawn on top of the shelf, it also looks like a parody of Still Life by Cezanne. In the lower right corner of the screen, cat of one animal is drinking water in the dish.

Even from the only picture of this one, a complex view of the world of this artist can be read.

Depicting the same girl, a beautiful day people. In front of the fireplace, girl sitting on the couch, is watched by the beauty of herself in the mirror.

If you are flowing from the upper left to the lower right of the screen, just the line of the body of the girl, is divided into two the configuration of the screen. On the right, a man is Kube fire in fireplace, window, desk, white basin of the above are depicted on the left side.

This painting is also in the works, such as the flood of symbols like, if you immerse yourself in this picture, you will be able to read a lot of things from there.

Among them, pose the girl is a concern. While straighten the body, and make a left knee, and is stretched Daranto under the right hand. It has become a strange geometric patterns as a whole.

Even if I put the portrait of other Balthus, pose of a person, many feel uncomfortable somewhere both, strange pose.

Well, I thought the venue, and not only this painting, landscape painting was often unexpectedly. Left Paris after World War II, and live in the rural town of chassis of the Champagne region, and then Balthus, and began to draw better landscapes.

Work was painted in 1960, of a large landscape, a tree is drawn with a touch planar, the composition a Cezanne basis.

The work depicts the landscape of the village visited in the 1990s in his later years, of landscape, of Monte Cal Ventura head and Russia, brush strokes has become more simple.

Cats, themes drawn Balthus prefer. At the age of 11, to create a story that the main character of the cat honey, it also drew the picture.

It's that cat in the portrait, to appear as a supporting player in many cases, but in the work called cat, the Mediterranean, the cat has jumped to the hero.

I'm sitting cat to the apron to the terrace by the sea. From the sea, fish while drawing a rainbow, and that, flying to the dish in front of the cat, painting, such as the fairy tale like. An image of pedophile painter, it's work as far removed about.

The Balthus, about work on the theme of cat girls and often, that it is the pure, cat, girl, has been cited as the reason that, you do not flatter anyone.

Also, that was telling, not the artist, a painter drawing a picture simply, as, like a craftsman, of himself.

Balthus, admits that aiming to be a topic at the beginning, made ​​a work of erotic girl.

Painter indicating that by theme about this painter, depicted there, the work is that, being treated as would also be rare.

It seems work of Balthus, as questioning, that of seeing the picture, or mean what kind of thing.

バルテュス展（東京都美術館）

今年、最も楽しみにしていた展覧会の一つ。

バルテュスといえば、どうしても、少女のエロティックな絵を描いた画家、というイメージが強い。

夢見るテレーズ、という作品は、まさにそうした作品。部屋の中の長椅子に、前半身を起こし、座っている少女が、無邪気に足を広げて、白い下着が除いている。

こんな絵は、小さい子には見せられないのでは？と思ったが、会場には小学生くらいの子供も訪れていた。マジックペンで絵を書けるボードのようなものが、入口に用意されており、希望すれば、それを使って、バルテュスの絵を模写することができるようだ。

さて、よくよく夢見るテレーズを見ると、そのテレーズのポーズも、構図が工夫されていることがわかる。

左手には、イスと棚があり、棚の上には壷やシーツが描かれ、セザンヌの静物画のパロディのようにも見える。画面の右下では、一匹のネコが、皿の中の水を飲んでいる。

この1枚の絵だけからでも、この画家の複雑な世界観が読み取れる。

同じく少女を描いた、美しい日々。暖炉の前で、カウチに座った少女が、鏡で自分の美しさに見入っている。

少女の体の線が、ちょうど画面を左上から右下に流れていて、画面の構成を2つに分けている。右側では、男が暖炉に火をくべており、左側には窓、机、その上の白いたらいが描かれている。

この絵も、まるで記号の洪水のような作品で、この絵の中に没頭すれば、そこからいろいろなことを読み取ることが出来るだろう。

中でも、少女のポーズが気になる。体をまっすぐに伸ばしながら、左膝を立て、右手は下にだらんと伸ばしている。それが、全体として不思議な幾何学模様になっている。

バルテュスの他の人物画に置いても、人物のポーズは、いずれもどこか違和感を感じさせる、不思議なポーズが多い。

さて、会場は、こんな絵ばかりかと思いきや、意外と風景画が多かった。バルテュスは、第2次大戦後にパリを離れ、シャンパーニュ地方のシャシーという田舎町で暮らすようになり、それから風景画をよく描くようになったという。

1960年に描いた、樹のある大きな風景、という作品は、セザンヌ的な構図を、平面的なタッチで描いている。

晩年の1990年代に訪れた村の風景を描いた、モンテカルヴェッロの風景、という作品では、筆使いはもっとシンプルになっている。

ネコも、バルテュスが好んで描いたテーマ。11歳の時に、ミツというネコを主人公にした物語を作り、その絵も描いた。

人物画の中に、脇役として登場することが多いネコだが、地中海の猫、という作品では、ネコが主人公に躍り出ている。

ネコが海沿いのテラス席にエプロンをして座っている。海の中から、魚が虹を描きながら、そのネコの目の前の皿に飛んでくる、という、まるで童話のような絵画。ロリコン画家のイメージとは、およそかけ離れたような作品だ。

バルテュスは、少女とネコをテーマにした作品が多いことについて、少女は、その純粋であること、ネコは、誰にも媚びないこと、をその理由として上げている。

また、自分のことを、芸術家ではなく、単に絵を描く画家であり、職人のようなもの、と語っていたという。

バルテュスは、当初は話題となることを狙って、少女のエロティックな作品を作ったことを認めている。

この画家ほど、そこに描かれているテーマによって、その作品が解釈されてしまう、ということを表す画家も珍しいだろう。

絵を見るということが、どのようなことを意味するのかを、バルテュスの作品は、問いかけているように思える。

The Scientific Eye and Visual Wonders in Edo (Suntory Museum of Art)

(Translated by Google Translate)

The latter half of the Edo era, and look back scientific knowledge from abroad, such as the Dutch studies, whether given what effect the painting that was drawn at the time, exhibition at the Suntory Museum of Art interesting.

At the entrance of the venue, by Odano Naotake of so-called Akita Ranga, Shinobazunoike diagram greet visitors.

In the foreground, red and white flowers planted in pots is drawn, in the background, Shinobazu is depicted. It is drawn using the perspective, but it has left somehow, a quality of Japanese painting.

This picture was drawn, in 1770. That in the medium term of the Edo era, not the Edo, these picture that had been drawn in the land of Akita in this era, I feel honest surprise.

Ukiyo-e, which is drawn with a perspective. From the expression of the two women, and I thought that was ukiyo-e Suzuki Harunobu no doubt, but say it's work of Shiba Kokan.

It has learned painting under Suzuki Harunobu, immediately after the death of Suzuki Harunobu, Shiba Kokan is that it was making the work in the name of Harunobu for a while.

The thirty-six Views of the Fifty-three Stages of the Tokaido Utagawa Hiroshige, Hokusai Fugaku, If you look closely well, perspective is used in the pivotal points. The medium-term since the Edo
, Western techniques paintings, seen often for painters, was a technique well-established fairly.

Glasses except possible Hiraga Gennai is made. By seeing glasses except the landscapes placed under, and is devised to appear more three-dimensionally.

In the early 19th century, the Japanese have been able to manufacture their own already, a microscope and reflecting telescope brought from abroad. Again, I am amazed at the high level of technology in this country.

In the book, using such a reflecting telescope, to observe the moon, check with your own eyes that it is exactly the same as the surface view of the month in which the Westerners drew, Shiba Kokan is, for the advancement of technology of the West, he have the honor obediently .

It is affecting the image of the West Museum, in Japan at the time, depicting the flora and fauna of Japan, Museum paintings many were drawn. Dexterous Japanese of the hand has left a lot of great work here.

Edo period, is thought to have the seclusion, information from overseas, and has not entered, but you look at this exhibition, scientific knowledge is Europe's leading at the time, has been brought to Japan I understood that was.

It might be that such science is to colonize the society, social system that, rather than simply the presence or absence knowledge itself, to disseminate it that is important.

のぞいてびっくり江戸絵画（サントリー美術館）

江戸時代の後半、蘭学などの海外からの科学知識が、当時描かれた絵画にどのような影響を与えたかを振り返る、興味深いサントリー美術館での展覧会。

会場の入口に、いわゆる秋田蘭画の小田野直武による、不忍池図が来場者を迎える。

前景に、鉢に植えられた紅白の花が描かれ、背景に、不忍池が描かれている。遠近法を使って描かれているが、どこかしら、日本画らしさを残している。

この絵が描かれたのは、1770年。江戸時代の中期で、この時代に江戸ではなく、秋田という地でこうした絵が描かれていた、ということに、素直な驚きを感じる。

遠近法を使って描かれた浮世絵。二人の女性の表情から、間違いなく鈴木春信の浮世絵かと思ったが、司馬江漢の作品だと言う。

司馬江漢は、鈴木春信の元で絵を学んでおり、鈴木春信の死の直後、しばらく春信の名前で作品を作っていたという。

歌川広重の東海道五十三次、北斎の富嶽三十六景には、よくよく見ると、遠近法が要所要所で使われている。西洋画の技法は、江戸の中期以降は、画家達にとっては、かなり定着した手法だったことがよくわかる。

平賀源内が作ったと考えられる除き眼鏡。下に置かれた風景画を、除き眼鏡で見ることで、より立体的に見えるように工夫されている。

海外からもたらされた反射望遠鏡や顕微鏡を、日本人は19世紀の初頭には、すでに自分たちで製作できるようになっていた。改めて、この国の技術力の高さに驚く。

司馬江漢は、書物において、そうした反射望遠鏡を使って、月を観察し、西洋人が描いた月の表面図と全く同じであることを自分の目で確認し、西洋の技術の進歩に対して、素直に敬意を表している。

西洋の博物画に影響されて、当時の日本では、日本の動植物を描いた、多くの博物画が描かれた。手先の器用な日本人は、ここでも素晴らしい作品を数多く残している。

江戸時代は、鎖国していて、海外からの情報は入ってこなかった、と考えられているが、この展覧会を見ると、当時のヨーロッパの最先端の科学知識が、日本にもたらされていたことがわかる。

科学が社会に定着するには、単に知識そのもの有無ではなく、それを普及させる社会制度が重要である、ということなのかもしれない。

Voices Calling from the Unusual: Hirano Keiichiro's Selection of Western Art Masterpieces (The National Museum of Western Art)

(Translated by Google Translate)

The museum invited as a guest curator of the Keiichiro Hirano writer, from the collection of the National Museum of Western Art, to select the work of approximately 30 points in a unique perspective, plains exhibited by theme.

Some works from the usual, it was often seen in the museum, there is also work to be the eyes for the first time.

Pieces that mask by dry point of Khnopff. It's Khnopff painting fantastic, but it depicts only the woman's face. Again, I feel mysteriously somewhere.

By Teniers the Elder Lucas Cranach, The Temptation of St. Anthony. Theme Jacques Callot that was held at the same time also painted.

When you visually compare the work of three people, including Caro also, differences in approach and complete to represent the theme of the writer is a glimpse, it is interesting.

Munch, workers in the snow. An image of work, such as shouting, and works depicting the theme completely different. After he returned to Norway in 1909, Munch had painted many works on the theme of workers.

The room that there is a wife Ida playing the hammer Sukhoi, the piano. In the landscape casual indoor, and expressed a strange feeling, to hammer Sukhoi. Works like foreboding hidden quietly in the day-to-day, the entrance to the extraordinary.

It's using the one room that is used as a special exhibition room, typically, mini exhibition.

Perhaps, yet a print exhibition of Jacques Callot is, because the writer of the anonymous, for the sake of attracting customers, this project would have been born.

Than that, it felt using this room, and, I wanted to display it with the work of Jacques Caro, and I wonder if I was the only.

非日常からの呼び声 平野啓一郎が選ぶ西洋美術の名品（国立西洋美術館）

作家の平野啓一郎をゲストキュレーターとして招き、平野が国立西洋美術館のコレクションから、独自の視点でおよそ30点の作品を選び、テーマ別に展示した。

普段から、この美術館でよく目にしていた作品もあれば、初めて目にする作品もあった。

クノップフのドライポイントによる仮面という小品。幻想的な絵画のクノップフだが、女性の顔だけを描いている。やはり、どこか神秘的に感じる。

ルーカス・クラーナハ（父）とテニールスによる、聖アントニウスの誘惑。同時に開催されていたジャック・カロも描いたテーマ。

カロも含めた3人の作品を見比べると、作家のテーマを表現する完成やアプローチの違いが垣間見えて、面白い。

ムンクの、雪の中の労働者たち。叫びなどの作品のイメージとは、全く違ったテーマを描いた作品。ムンクは、1909年にノルウェーに戻ってからは、労働者をテーマにした作品を数多く描いていた。

ハンマースホイの、ピアノを弾く妻イーダのいる室内。室内の何気ない風景の中に、不思議な感覚を表現した、ハンマースホイ。日常の中にひっそりと隠れている、非日常への入口を予感させるような作品。

通常は、特別展の部屋として使われる1室を使っての、ミニ企画展。

おそらく、ジャック・カロの企画展が、版画でしかも無名の作家なので、集客のために、この企画が生まれたのだろう。

それよりも、この部屋を使って、ジャック・カロの作品をもって展示して欲しかった、と感じたのは、私だけだったのだろうか。

Jacques Callot : Theater of Realism and Fantasy (The National Museum of Western Art)

(Translated by Google Translate)

Things printmaker Jacques Callot called, I did not know at all.

In 1592, was born in Lorraine, studied printmaking in Italy, and worked as a court Printmakers II Cosimo of the Grand Duke of Tuscany, and return home then active in France, closed its short life in 1635.

Era Caro was alive, was a time when Lorraine is, go swallowed in France of Louis dynasty. Caro, must have been the eyes directly, the misery of the war.

The continuous cropping of misery of war, looting of farmers by the army, destruction of the monastery, such as people to be executed, fact that I want to avert your eyes is depicted in a manner realistic indeed.

Work that many people, collectively, suspended the neck to a tree, has been killed, it is particularly striking.

Than that prints on the theme of war of Goya , before 200 years approximately , prints this much had been made ​​was a surprise .

Caro is also left continuous cropping about Gypsy . Manner in which the rest of the gang of gypsy wandering all over Europe in a group , in the suburbs , such as the state of the party have been drawn scrupulously .

Many parts are combined , work called capture of Breda is sized of about two meters square . In the bottom , in the foreground , the figure of the warrior of one person is drawn , as the go upward to become a distant view , human beings are depicted as pea .

Formation of the army is also accurately depicted , it will serve for the tactics of the time , as well as historical material .

In the most unexpected places , work depicting the martyrs in Nagasaki , of martyrdom , of twenty-three saint Japan . Incident of this martyrdom was the incident that had been well known in Europe at the time .

However, the Japanese are drawn to people like Turkey. Japanese are doing any facial expression, until either wearing any clothes, Caro apparently did not know indeed.

It was most impressive is, The Temptation of Saint Anthony. A number of painters have been drawn, the world fantastic, but the work of Caro, would say the masterpiece of one of the best among these.

The St. Anthony, he only drawn small in the lower right corner, the most of the screen, many monsters are drawn. There is also a monster, such as appearing in the picture of the boss, I also felt a tribute to our ancestors.

It was exhibition was able to taste more than enough, the charm of the prints.

ジャック・カロ リアリズムと奇想の劇場（国立西洋美術館）

ジャック・カロという版画家のことは、全く知らなかった。

1592年、ロレーヌ地方に生まれ、イタリアで版画を学び、トスカーナ大公のコジモ2世の宮廷版画家として活躍し、その後帰国して、フランスで活躍し、1635年にその短い生涯を閉じた。

カロが生きた時代は、ロレーヌ地方が、ルイ王朝のフランスに飲み込まれていく時代だった。カロは、戦争の悲惨さを、直接目にしていたに違いない。

戦争の悲惨という連作では、軍隊による農家の略奪、修道院の破壊、処刑される人々など、目を背けたくなる実態が、実にリアリスティックな手法で描かれている。

多くの人々が、まとめて、木に首をつるされ、殺されている作品は、とりわけ印象的だ。

ゴヤの戦争をテーマにした版画より、およそ200年も前に、これほどの版画が作られていたことは驚きだった。

カロは、ジプシーについての連作も残している。集団でヨーロッパ中を放浪したジプシーの一団の、郊外で一休みする様子、宴会の様子などが、克明に描かれている。

ブレダの攻略という作品は、多くのパーツが組み合わされて、2メートル四方ほどの大きさになっている。下の方には、前景に、一人一人の戦士の姿が描かれ、上方にいくにつれて、遠景になり、人間は豆粒のように描かれている。

軍隊の陣形も正確に描かれ、当時の戦術についての、歴史的な資料としても使えそうだ。

意外なところでは、長崎での殉教者を描いた、日本二十三聖人の殉教、という作品。この殉教の事件は、当時のヨーロッパでは良く知られていた事件だった。

しかし、日本人は、トルコ人風に描かれている。日本人がどんな表情をしているか、どんな衣装を着ているかまでは、さすがにカロは知らなかったらしい。

最も印象に残ったのは、聖アントニウスの誘惑。その幻想的な世界を、数多くの画家達が描いてきたが、カロの作品は、そうした中でも屈指の名作と言えるだろう。

聖アントニウスは、右下に小さく描かれているだけで、画面のほとんどには、おどろおどろしい怪物達が描かれている。ボスの絵に登場するような怪物もあり、先人へのオマージュも感じられる。

版画の魅力を、十二分に味わうことが出来た展覧会だった。

Irises and Wisteria Screens (Nezu Museum)

(Translated by Google Translate)

At Nezu Institute of Fine Arts of Tokyo, Iris laevigata figure screen of Ogata Korin to be published in the spring every year. This year, co-starring with Fujihana figure screen of Maruyama Okyo.

Fujihana figure screen of Maruyama Okyo is, one twin six songs the same as Iris laevigata figure screen. Draw using a blur technique, the portion of the tassel and flower, wisteria vine depicts carefully one by one in the bud and petals.

It's Maruyama Okyo is known for sketching, but here, we have drawn on the twist accent, seems to pay homage to Rimpa like.

In Iris laevigata figure screen of Ogata Korin, overwhelmed, in the work of Okyo, wisteria are not drawn are only a few to Iris laevigata to grow. In addition, the petals of wisteria is small. The contrast is interesting.

One of the Rimpa, four seasons flower figure screen by Kitagawa Sohsetsu. There is a sign of Inen, but believed to be due to the pen of Kitagawa Sohetsu, flower figure screen.

Flowers draws is gorgeous beauty is not in any way, but its dull color a little, to be more aware of the fact that flower in reverse.

Like, like a flower that draws Redon, somewhere, to give the viewer the impression of mysterious.

In relation to the epic of Maruyama Okyo was exhibited works of the disciples also were exhibited several points.

By Nagasawa Rosetsu, heartwarming anything, the picture of the two dogs. Puppy dog behave like a spoiled child to the parent, is one more, one piece is drawn at the foot of the tree puppy.

In the exhibition room on the second floor, with a focus on pottery of Korea, the exhibition Akiyama collection.

Was exhibited in the center of the room, blue-and-white autumn flowers Buntsubo. On a white background, with a simple line drawing, blue flowers of autumn flowers of three drawn on the surrounding, beautiful indeed.

China, Southern Song Dynasty, cup of celadon Longquan kiln. It is a small cup, but intense impressive blue of the celadon.

Some of these ceramics, only one, the book of Ryokan was exhibited. Character of heaven and earth, has been drawn in the brush strokes of unique Ryokan.

Also nothing, not obsessed at all, the book of the Ryokan. Are written there is, it may be something to say rather than a character, and even mood, at that time of Ryokan.

燕子花図と藤花図（根津美術館）

東京の根津美術館で、毎年春に公開される尾形光琳の燕子花図屏風。今年は、円山応挙の藤花図屏風との共演。

円山応挙の藤花図屏風は、燕子花図屏風と同じ6曲1双。藤のツルは、ぼかし技法を使って描き、花と房の部分は、花びらやつぼみの一つ一つを丹念に描いている。

写生で知られる円山応挙だが、ここでは、メリハリを効かせて描いており、まるで琳派に敬意を表するようだ。

尾形光琳の燕子花図屏風では、増殖する燕子花に圧倒されるが、応挙の作品では、藤の花は、数えるほどしか描かれていない。しかも、藤の花びらは小さい。その対比が面白い。

琳派の一人、喜多川相説による四季草花図屏風。伊年の印があるが、喜多川相説の筆によると考えられている、草花図屏風。

相説が描く花は、決して華やかな美しさはないが、すこしくすんだその色が、逆に花ということをより意識させる。

まるで、ルドンが描く花のように、どこか、神秘的な印象を見る者に与える。

円山応挙の大作が展示されていた関係で、その弟子達の作品も、何点か展示された。

長沢蘆雪による、何とも微笑ましい、2枚の犬の絵。一枚は、親犬に甘える子犬、もう一枚は、子犬が木のたもとに描かれてている。

2階の展示室では、朝鮮の陶器を中心とした、秋山コレクションを展示。

部屋の中央に展示されていた、青花秋草文壷。白地に、シンプルな線画で、周囲に描かれた3つの秋草の青花が、実に美しい。

中国、南宋時代、龍泉窯の青磁の盃。小さい盃だが、その青磁の青が強烈な印象的。

そうした陶器の中に、ひとつだけ、良寛の書が展示されていた。天地、という字が、良寛の独特の筆使いで描かれていた。

何ものにも、全くとらわれていない、その良寛の書。そこに書かれいるのは、文字というより、良寛のその時の気分、とでもいうものかもしれない。