(Translated by Google Translate)
If there is a exhibition about the Ecole de Paris, always, work Dufy, painter familiar to the eye several points.
However, the opportunity to try together the work, not much.
The exhibition was held at the Bunkamura Museum of Art in Shibuya, I was able to taste a variety of the world Dufy.
Works of Dufy, is often the contour lines to draw a person and scenery, paint is placed at the bottom is shifted.
Time coming, how Dufy is, what arrived in this how to draw, I was wondering.
For Paul Poiret of fashion designer, Dufy, carried out the design of textiles for many.
In the world of textiles, sometimes, and color contour line is shifted. Perhaps, from there, in the painting, Dufy, likely to have produced the idea to draw so as to be shifted on purpose.
The venue, Dufy-designed, silk print many were on display.
Work was painted for the Paris Exposition of 1937, and spirit, of electricity. Vertical one meter, or there will be as much as 5 meters horizontal.
Power plant in the middle of the picture, on both sides, the invention of electricity, and appearance, of the people involved in the development, such as the state, city of bright by electricity, was gorgeous is depicted.
At first glance, it appears to be like a picture scroll of China and Japan. Also drew on Western-style folding screen, the landscape of Paris, I also work there.
You do not have to worry in the form of canvas, Dufy, has left various works. Were exhibited at the venue, in woodcut furniture, ceramics, such as chairs, colorful world of Dufy has been deployed.
The Dufy, rather than a painter, and designer who is, might be good.
2014年6月28日土曜日
デュフィ展（Bunkamuraザ・ミュージアム）
デュフィの作品は、エコール・ド・パリに関する展覧会があると、必ず、何点かを目にする馴染みの画家。
しかし、その作品をまとまってみる機会は、あまりない。
渋谷のBunkamuraザ・ミュージアムで行われた展覧会では、そのデュフィの多彩な世界を味わうことが出来た。
デュフィの作品は、人物や風景を描く輪郭線と、そこに置かれる絵具が、ずれていることがよくある。
前々から、デュフィが、どのようにしてこの描き方にたどり着いたのか、不思議に思っていた。
デュフィは、ファッション・デザイナーのポール・ポワレのために、多くのテキスタイル用のデザインを行った。
テキスタイルの世界では、時に、輪郭線と色とがずれている。おそらく、デュフィは、そこから、絵画で、わざとずらして描くアイデアを生み出したのだろう。
会場には、デュフィがデザインした、多くのシルク・プリントが展示されていた。
1937年のパリ万博のために描かれた、電気の精、という作品。縦は1メートル、横は5メートルほどもあるだろうか。
絵の真ん中に発電所、両側には、電気の発明、発展に関わった人々の姿、そして、電気によって明るく、華やかになった都市の様子、などが描かれている。
一見すると、中国や日本の絵巻物のようにも見える。他にも、パリの風景を、西洋風の屏風に描いた、作品もあった。
デュフィは、キャンバスという形式にはとらわれず、様々な作品を残している。会場に展示された、木版画、陶芸、イスなどの家具に、デュフィの色鮮やかな世界が、展開されている。
デュフィは、画家というより、デザイナーといった方が、いいのかもしれない。
2014年6月22日日曜日
Collection Exhibition 2014: The Spiritual World (Tokyo Metropolitan Museum of Photography)
(Translated by Google Translate)
Collection Exhibition of this year the Tokyo Metropolitan Museum of Photography. Theme, spiritual world. The exhibition works on the theme of spirituality and religion.
Of Ken Domon too famous "old temple pilgrimage" series. The exhibition of several points, a picture of the Buddha statue up.
Within the temple, towards the back, a huge up of Buddha are enshrined importantly likely, it just, some impact, is presence.
However, Buddha statues of real and have, that picture the other hand, has been deformed too, felt also as reflecting different things.
I have taken of Masatoshi Naito called "Auntie explosion!", And itaconate of Osorezan of Aomori. In the narrow frame, itaconate also including, the power of the women of the middle-aged, has exploded.
Its presence is too strong, but it seems to have projected, human, a figure essential.
Of Shinya Fujiwara from "all the East-India photo", some pictures. In the banks of the Ganges River, the dog is biting, and scene burning corpse, the legs of the dead, shocking scene has been taken.
It represents well, those of photography has, the essence of power.
To the location that contains the entrance, was exhibited only one, one from the anthology called "between the sea and mountains" Suzuki Risaku.
Photo beyond the forest, in the round silhouette, sea that, looking through.
Separately, something special that may not be reflected, but I can feel the presence of something.
As a symbol of the theme of this exhibition, it was impressive work.
Collection Exhibition of this year the Tokyo Metropolitan Museum of Photography. Theme, spiritual world. The exhibition works on the theme of spirituality and religion.
Of Ken Domon too famous "old temple pilgrimage" series. The exhibition of several points, a picture of the Buddha statue up.
Within the temple, towards the back, a huge up of Buddha are enshrined importantly likely, it just, some impact, is presence.
However, Buddha statues of real and have, that picture the other hand, has been deformed too, felt also as reflecting different things.
I have taken of Masatoshi Naito called "Auntie explosion!", And itaconate of Osorezan of Aomori. In the narrow frame, itaconate also including, the power of the women of the middle-aged, has exploded.
Its presence is too strong, but it seems to have projected, human, a figure essential.
Of Shinya Fujiwara from "all the East-India photo", some pictures. In the banks of the Ganges River, the dog is biting, and scene burning corpse, the legs of the dead, shocking scene has been taken.
It represents well, those of photography has, the essence of power.
To the location that contains the entrance, was exhibited only one, one from the anthology called "between the sea and mountains" Suzuki Risaku.
Photo beyond the forest, in the round silhouette, sea that, looking through.
Separately, something special that may not be reflected, but I can feel the presence of something.
As a symbol of the theme of this exhibition, it was impressive work.
スピリチュアル・ワールド（東京都写真美術館）
東京都写真美術館の今年のコレクション展。テーマは、スピリチュアル・ワールド。宗教や精神性をテーマにした作品を展示。
あまりにも有名な土門拳の「古寺巡礼」シリーズ。何点かの、仏像のアップの写真を展示。
お寺の中では、奥の方に、大事そうに鎮座している仏像の巨大なアップは、それだけで、インパクト、存在感がある。
しかし、その一方で、あまりにもデフォルメされたその写真は、本物の仏像がもっているとは、違うものを映しているようにも感じた。
内藤正敏の「婆バクハツ!」という、青森の恐山のイタコなどを撮影している。イタコも含めた、中高年の女性達のパワーが、狭いフレームの中で、爆発している。
その存在感は強烈すぎるが、人間の、本質的な姿を、写し出しているようだ。
藤原新也の「全東洋写真・インド」からの、何枚かの写真。ガンジス川のほとりで、死体を焼く場面や、死者の足を、犬が噛み付いている、ショッキングなシーンが、撮影されている。
それは、写真というものが持っている、力の本質を、よく表している。
入口を入った場所に、1枚だけ展示されていた、鈴木理策の「海と山のあいだ」という作品集からの1枚。
森の向こう、丸いシルエットの中に、海がのぞいている、という写真。
別に、何か特別なものが写っているわけではないが、何かの存在が感じられる。
この展覧会のテーマを象徴するような、印象的な作品だった。
あまりにも有名な土門拳の「古寺巡礼」シリーズ。何点かの、仏像のアップの写真を展示。
お寺の中では、奥の方に、大事そうに鎮座している仏像の巨大なアップは、それだけで、インパクト、存在感がある。
しかし、その一方で、あまりにもデフォルメされたその写真は、本物の仏像がもっているとは、違うものを映しているようにも感じた。
内藤正敏の「婆バクハツ!」という、青森の恐山のイタコなどを撮影している。イタコも含めた、中高年の女性達のパワーが、狭いフレームの中で、爆発している。
その存在感は強烈すぎるが、人間の、本質的な姿を、写し出しているようだ。
藤原新也の「全東洋写真・インド」からの、何枚かの写真。ガンジス川のほとりで、死体を焼く場面や、死者の足を、犬が噛み付いている、ショッキングなシーンが、撮影されている。
それは、写真というものが持っている、力の本質を、よく表している。
入口を入った場所に、1枚だけ展示されていた、鈴木理策の「海と山のあいだ」という作品集からの1枚。
森の向こう、丸いシルエットの中に、海がのぞいている、という写真。
別に、何か特別なものが写っているわけではないが、何かの存在が感じられる。
この展覧会のテーマを象徴するような、印象的な作品だった。
Chic Gentlemen and Elegant Ladies: Fashion in Japanese Painting (Yamatane Museum of Art)
(Translated by Google Translate)
Depicting a person, with a focus on Japanese painting, exhibition of mountain species Museum.
To be in the title of the exhibition, a male figure, female images, the exhibition is divided respectively.
Man, Japan Takeru, Michizane Sugawara, Kinotsurayuki, such as Kusunoki Masashige, none, most, tend to be drawn to historical figures.
Of course, not necessarily drawn to the identity model, or using a different model, Hashimoto Gaho, Kikuchi et al. Chigiritsuki painted would drew inflatable imagination.
The woman, on the contrary, is not a famous historical figure, most depicts a model of reality itself.
Such paintings have expressed vividly, the reality of the society in the man, not the Mitekure, social power is required, for the woman, only beauty that is determined, it was interesting indeed.
In the work, Ito deep, Uemura Shoen beautiful woman painting legitimate. Draw a female individual, Morita Hiroshitaira, Kataoka beads Beads. The contrast is interesting.
Drawn the 17th century, during the Edo period, wheel dance diagram. Author is not known. In a circle, men and women dressed in colorful kimono, such as short-sleeved kimono, is dancing the dance.
While little piece, tell the gorgeous atmosphere of the Edo period, it was impressive work.
Depicting a person, with a focus on Japanese painting, exhibition of mountain species Museum.
To be in the title of the exhibition, a male figure, female images, the exhibition is divided respectively.
Man, Japan Takeru, Michizane Sugawara, Kinotsurayuki, such as Kusunoki Masashige, none, most, tend to be drawn to historical figures.
Of course, not necessarily drawn to the identity model, or using a different model, Hashimoto Gaho, Kikuchi et al. Chigiritsuki painted would drew inflatable imagination.
The woman, on the contrary, is not a famous historical figure, most depicts a model of reality itself.
Such paintings have expressed vividly, the reality of the society in the man, not the Mitekure, social power is required, for the woman, only beauty that is determined, it was interesting indeed.
In the work, Ito deep, Uemura Shoen beautiful woman painting legitimate. Draw a female individual, Morita Hiroshitaira, Kataoka beads Beads. The contrast is interesting.
Drawn the 17th century, during the Edo period, wheel dance diagram. Author is not known. In a circle, men and women dressed in colorful kimono, such as short-sleeved kimono, is dancing the dance.
While little piece, tell the gorgeous atmosphere of the Edo period, it was impressive work.
クールな男とおしゃれな女（山種美術館）
人物を描いた、日本画を中心とした、山種美術館の展覧会。
展覧会の題名にあるように、男性像と、女性像が、それぞれ分かれての展示。
男は、ほとんどが、日本武尊、菅原道真、紀貫之、楠木正成など、いずれも、歴史上の人物を描いたものが多い。
描いた橋本雅邦、菊池契月らは、無論、本人をモデルに描いた訳ではなく、別なモデルを使ったか、想像を膨らませて描いたのだろう。
女は、逆に、ほとんどが、歴史上の有名な人物ではなく、現実のモデルそのものを描いている。
男には、見てくれではなく、社会的な力が要求され、女には、美しさだけが求められる、という社会の現実を、如実にそうした絵画が表していて、実に興味深かった。
作品では、正統的な美人画の伊東深水、上村松園。個性的な女性を描く、森田廣平、片岡珠子。その対比が、面白い。
17世紀、江戸時代に描かれた、輪踊り図。作者はわかっていない。色鮮やかな、小袖などの着物を着た男女が、輪になって、踊りを踊っている。
小さな作品ながら、江戸時代の華やかな雰囲気を伝える、印象深い作品だった。
展覧会の題名にあるように、男性像と、女性像が、それぞれ分かれての展示。
男は、ほとんどが、日本武尊、菅原道真、紀貫之、楠木正成など、いずれも、歴史上の人物を描いたものが多い。
描いた橋本雅邦、菊池契月らは、無論、本人をモデルに描いた訳ではなく、別なモデルを使ったか、想像を膨らませて描いたのだろう。
女は、逆に、ほとんどが、歴史上の有名な人物ではなく、現実のモデルそのものを描いている。
男には、見てくれではなく、社会的な力が要求され、女には、美しさだけが求められる、という社会の現実を、如実にそうした絵画が表していて、実に興味深かった。
作品では、正統的な美人画の伊東深水、上村松園。個性的な女性を描く、森田廣平、片岡珠子。その対比が、面白い。
17世紀、江戸時代に描かれた、輪踊り図。作者はわかっていない。色鮮やかな、小袖などの着物を着た男女が、輪になって、踊りを踊っている。
小さな作品ながら、江戸時代の華やかな雰囲気を伝える、印象深い作品だった。
Essays in Idleness: Enjoying Classical Literature Through Art (Suntory Museum of Art)
(Translated by Google Translate)
Was held at the Suntory Museum of Art, exhibition collected literature, painting surrounding Essays in Idleness.
At the entrance, Ogata Kenzan Shokado Akirano, and Umikita Tomoyuki, is, are decorated hanging scroll is drawn each, author of Essays in Idleness, a Buddhist priest Kenko.
At first glance, I do not think in a different figure at all, and depicts the same person. From the contents of the book called Essays in Idleness, each painter, depicts expected from the ambient, or as she imagined that, the priest Kenko image.
In this exhibition, a national treasure of the two were exhibited. One thing on the back of the scriptures 14th century, that Hoshaku through, I wrote a poem. Waka Kenko Hoshi has written two.
National treasure Another Honen picture transfer. So as not to think it is drawn in the 14th century, brilliant. Before Honen, Amitabha would appear, had on display, dramatic scene.
By Kaiho Yusetsu, the centerpiece of this exhibition, exhibition whole volume of Essays in Idleness picture scroll. The exhibition of using the space of nearly half of the venue.
Other, tailored to the beautiful picture, what was depicted in the text in the Essays in Idleness, many pictures were on display, but it was to picture the contents of all 244 stage, Essays in Idleness by this Kaiho Yusetsu that he only picture scroll.
Some of the Essays in Idleness, there is also a stage difficult to painting or stage, but short, as paintings independent, Kaiho Yusetsu is fully draw all, all of them. I represent well as a craftsman painting Umikita Tomoyuki, a prominent sense.
Corner of the last exhibition of the Kaiho Yusetsu, not related to the Essays in Idleness, various works.
Famous, such as folding screen picture Kenninji, Kaiho Yusetsu is, a child of Kaiho Yusho. Piece folding screen painting, scrolls, Buddhist, and ink painting, of many genres is on display, the various arts picture is suggesting.
Then, in the center of Kyoto, from generation to generation as a painter, Kaiho family is that it continued to play an active part until the Edo period.
Was held at the Suntory Museum of Art, exhibition collected literature, painting surrounding Essays in Idleness.
At the entrance, Ogata Kenzan Shokado Akirano, and Umikita Tomoyuki, is, are decorated hanging scroll is drawn each, author of Essays in Idleness, a Buddhist priest Kenko.
At first glance, I do not think in a different figure at all, and depicts the same person. From the contents of the book called Essays in Idleness, each painter, depicts expected from the ambient, or as she imagined that, the priest Kenko image.
In this exhibition, a national treasure of the two were exhibited. One thing on the back of the scriptures 14th century, that Hoshaku through, I wrote a poem. Waka Kenko Hoshi has written two.
National treasure Another Honen picture transfer. So as not to think it is drawn in the 14th century, brilliant. Before Honen, Amitabha would appear, had on display, dramatic scene.
By Kaiho Yusetsu, the centerpiece of this exhibition, exhibition whole volume of Essays in Idleness picture scroll. The exhibition of using the space of nearly half of the venue.
Other, tailored to the beautiful picture, what was depicted in the text in the Essays in Idleness, many pictures were on display, but it was to picture the contents of all 244 stage, Essays in Idleness by this Kaiho Yusetsu that he only picture scroll.
Some of the Essays in Idleness, there is also a stage difficult to painting or stage, but short, as paintings independent, Kaiho Yusetsu is fully draw all, all of them. I represent well as a craftsman painting Umikita Tomoyuki, a prominent sense.
Corner of the last exhibition of the Kaiho Yusetsu, not related to the Essays in Idleness, various works.
Famous, such as folding screen picture Kenninji, Kaiho Yusetsu is, a child of Kaiho Yusho. Piece folding screen painting, scrolls, Buddhist, and ink painting, of many genres is on display, the various arts picture is suggesting.
Then, in the center of Kyoto, from generation to generation as a painter, Kaiho family is that it continued to play an active part until the Edo period.
徒然草―美術で楽しむ古典文学展（サントリー美術館）
サントリー美術館で開催された、徒然草にまつわる文献、絵画を集めた展覧会。
入口には、松花堂昭乗、海北友雪、そして尾形乾山が、徒然草の作者、兼好法師を、それぞれ描いた掛け軸が飾ってある。
一見すると、全く違う人物像で、同じ人物を描いているとは思えない。それぞれの絵師が、徒然草という書物の内容から、自分なりに想像した、あるいは周囲から期待された、兼好法師像を描いている。
この展覧会には、2つの国宝が展示された。一つは、14世紀、宝積経という経典の裏に、和歌を書いたもの。兼好法師の和歌が、2つ書かれている。
もうひとつの国宝は、法然上人絵伝。14世紀に描かれたとは思えないほど、鮮やか。展示されていたのは、法然上人の前に、阿弥陀如来が現れるという、劇的なシーン。
この展覧会の目玉は、海北友雪による、徒然草絵巻の全巻展示。会場の半分近くのスペースを使っての展示。
他にも、徒然草の中に文章で描かれた内容を、美しい絵に仕立てた、多くの絵が展示されていたが、244段全ての内容を絵にしたのは、この海北友雪による徒然草絵巻だけだという。
徒然草の中には、短い段、あるいは絵にするのが難しい段もあるが、海北友雪は、それら全てを、独立した絵画作品として、全て描ききっている。海北友雪の絵の職人としての、卓越したセンスをよく表している。
最後のコーナーは、その海北友雪の、徒然草とは関係ない、様々な作品を展示。
海北友雪は、建仁寺の屏風絵などで有名な、海北友松の子。屏風絵、絵巻、仏画、水墨画など、多くのジャンルの作品が展示され、その多彩な画芸が伺える。
海北家は、その後、京都を中心に、代々絵師として、幕末まで活躍し続けたという。
入口には、松花堂昭乗、海北友雪、そして尾形乾山が、徒然草の作者、兼好法師を、それぞれ描いた掛け軸が飾ってある。
一見すると、全く違う人物像で、同じ人物を描いているとは思えない。それぞれの絵師が、徒然草という書物の内容から、自分なりに想像した、あるいは周囲から期待された、兼好法師像を描いている。
この展覧会には、2つの国宝が展示された。一つは、14世紀、宝積経という経典の裏に、和歌を書いたもの。兼好法師の和歌が、2つ書かれている。
もうひとつの国宝は、法然上人絵伝。14世紀に描かれたとは思えないほど、鮮やか。展示されていたのは、法然上人の前に、阿弥陀如来が現れるという、劇的なシーン。
この展覧会の目玉は、海北友雪による、徒然草絵巻の全巻展示。会場の半分近くのスペースを使っての展示。
他にも、徒然草の中に文章で描かれた内容を、美しい絵に仕立てた、多くの絵が展示されていたが、244段全ての内容を絵にしたのは、この海北友雪による徒然草絵巻だけだという。
徒然草の中には、短い段、あるいは絵にするのが難しい段もあるが、海北友雪は、それら全てを、独立した絵画作品として、全て描ききっている。海北友雪の絵の職人としての、卓越したセンスをよく表している。
最後のコーナーは、その海北友雪の、徒然草とは関係ない、様々な作品を展示。
海北友雪は、建仁寺の屏風絵などで有名な、海北友松の子。屏風絵、絵巻、仏画、水墨画など、多くのジャンルの作品が展示され、その多彩な画芸が伺える。
海北家は、その後、京都を中心に、代々絵師として、幕末まで活躍し続けたという。
2014年6月21日土曜日
Jean Fautrier (Tokyo Station Gallery)
(Translated by Google Translate)
Was held at the Tokyo Station Gallery, Jean Fautrier Exhibition.
Fautrier was born in Paris in 1898, but moved to London at the time of the 10-year-old, he studied painting, such as the Royal Academy. And that liked Turner.
However, rather than Turner, landscape early which was exhibited, such as still life, Cezanne was like.
After World War II began, and returned to Paris, and was drawing a gloomy piece of dark color. Paris after the release, I will announce the masterpiece of Fort Rie, the hostage series.
Works One, called the head, the hostage, literally, like the head of a human, is expressed in the paint that Nuritaku~tsu thick.
There is also a vertical line such as that represents the nose, but it looks drawn on the folding screen picture of Japan, as well as abstract month, the image is interesting.
Fautrier, is known as a "painter of Anforumeru", but himself, and did not like so much, that it is said so.
In his later years, painting style became more simple, in the middle of the screen, place the paint to be such as blue or green, shades, from the top, painting, such as drawing a thin line, of such a feeling in many cases.
Was held at the Tokyo Station Gallery, Jean Fautrier Exhibition.
Fautrier was born in Paris in 1898, but moved to London at the time of the 10-year-old, he studied painting, such as the Royal Academy. And that liked Turner.
However, rather than Turner, landscape early which was exhibited, such as still life, Cezanne was like.
After World War II began, and returned to Paris, and was drawing a gloomy piece of dark color. Paris after the release, I will announce the masterpiece of Fort Rie, the hostage series.
Works One, called the head, the hostage, literally, like the head of a human, is expressed in the paint that Nuritaku~tsu thick.
There is also a vertical line such as that represents the nose, but it looks drawn on the folding screen picture of Japan, as well as abstract month, the image is interesting.
Fautrier, is known as a "painter of Anforumeru", but himself, and did not like so much, that it is said so.
In his later years, painting style became more simple, in the middle of the screen, place the paint to be such as blue or green, shades, from the top, painting, such as drawing a thin line, of such a feeling in many cases.
ジャン・フォートリエ展（東京ステーションギャラリー）
東京ステーションギャラリーで開催された、ジャン・フォートリエ展。
フォートリエは、1898年にパリで生まれたが、10才の時にロンドンに移住し、ロイヤル・アカデミーなどで絵を学んだ。ターナーが好きだったという。
展示されていた初期の風景画、静物画などは、しかし、ターナーというよりは、セザンヌ風だった。
第2次大戦が始まったあとは、パリに戻り、暗い色の陰鬱な作品を描いていた。パリ解放後、フォートリエの代表作となる、人質シリーズを発表する。
その1つ、人質の頭部、という作品は、文字通り、人の頭のような物が、厚くぬりたくった絵具で表現されている。
鼻を表しているような縦の線もあるが、日本の屏風絵に描かれる、抽象的な月のようにも見えて、そのイメージが興味深い。
フォートリエは、”アンフォルメルの画家”、として知られているが、本人は、そう言われることを、あまり好まなかったという。
晩年は、画風はもっとシンプルになり、画面の真ん中に、青や緑などの、基調となる絵具をおいて、その上から、細い線を描くような、そんな感じの絵が多かった。
Colorful: Chinese Ming and Qing Dynasty Decorative Arts (Nezu Museum)
Collection Exhibition of Nezu Institute of Fine Arts.
Tree lacquer coating of elaborate sculpture. Yongle year, such as the million fixed calendar year, works of Ming era.
Was burned in Jingdezhen, the number of blue-and-white ceramics of the Ming era ways. Brush tip is also thick, rustic, it looks like a picture children drew, the picture is still pleasing.
When it comes to the Qing Dynasty, and visibly, finely, hue becoming gorgeous is the picture.
On a deep blue ground, white, flowers and leaves of the magnolia is drawn, Jingdezhen Yongzheng year. Balance of the white tint, and blue, what very beautiful, nothing but.
This exhibition,'s main ceramics of the Ming and Qing era, was exhibited at the same time, paintings of the same era was interesting.
Folding screen view of the strange pattern elefants view of a four-width is that, wearing a large broom elephants.
One of Yangzhou Yaka, by Li Fangying, cherries view. In bold brush strokes, an imagination, Figure of plum. This is like I saw in another opportunity, to how to draw plum Nagasawa Rosetsu.
Painter who in Japan, probably had seen the work of such China.
Also exhibition room on the second floor, Chinese painting of the Ming and Qing era were on display.
Seven Ken Figure bamboo grove written and transmitted, to scroll According name is known to have painted replication of Qing name Uekawa view, the work of the British enemy. With a fine brush tip is from generation to generation patterned, and sages of seven people in the bamboo forest, children of the attendant is depicted.
Tree lacquer coating of elaborate sculpture. Yongle year, such as the million fixed calendar year, works of Ming era.
Was burned in Jingdezhen, the number of blue-and-white ceramics of the Ming era ways. Brush tip is also thick, rustic, it looks like a picture children drew, the picture is still pleasing.
When it comes to the Qing Dynasty, and visibly, finely, hue becoming gorgeous is the picture.
On a deep blue ground, white, flowers and leaves of the magnolia is drawn, Jingdezhen Yongzheng year. Balance of the white tint, and blue, what very beautiful, nothing but.
This exhibition,'s main ceramics of the Ming and Qing era, was exhibited at the same time, paintings of the same era was interesting.
Folding screen view of the strange pattern elefants view of a four-width is that, wearing a large broom elephants.
One of Yangzhou Yaka, by Li Fangying, cherries view. In bold brush strokes, an imagination, Figure of plum. This is like I saw in another opportunity, to how to draw plum Nagasawa Rosetsu.
Painter who in Japan, probably had seen the work of such China.
Also exhibition room on the second floor, Chinese painting of the Ming and Qing era were on display.
Seven Ken Figure bamboo grove written and transmitted, to scroll According name is known to have painted replication of Qing name Uekawa view, the work of the British enemy. With a fine brush tip is from generation to generation patterned, and sages of seven people in the bamboo forest, children of the attendant is depicted.
カラフル 中国・明清工芸の精華（根津美術館）
根津美術館のコレクション展。
精巧な彫刻の木胎漆塗。永楽年間、万暦年間など、明時代の作品。
景徳鎮で焼かれた、明時代の青花の陶磁器の数々。まだその絵柄は、筆先も太く、素朴で、子供が描いた絵のように見えて、微笑ましい。
清の時代になると、目に見えて、その絵柄が精巧に、色合いが華やかになっていく。
真っ青な地の上に、白で、木蓮の花や葉が描かれている、雍正年間の景徳鎮。その色合い、青と白のバランス、何をとっても、ただただ美しい。
この展覧会、メインは明清時代の陶磁器だが、同時に展示されていた、同じ時代の絵画も面白かった。
4幅の掃象図は、象を大きな箒で掃いている、という不思議な図柄の屏風図。
揚州八家の一人、李方膺による、墨梅図。大胆な筆使いで、心象的な、梅の図。別な機会に目にした、長沢蘆雪の梅の描き方に似ている。
日本の絵師達も、そうした中国の作品を目にしていたのだろう。
2階の展示室にも、明清時代の中国の絵画が展示されていた。
清名上河図の模写を描いたことで名が知られる、仇英の作によると伝わる、巻物に書かれた竹林七賢図。細かい筆先で、代々パターン化されている、竹林の中の七人の賢人たちと、その付き人の子供達が描かれている。
精巧な彫刻の木胎漆塗。永楽年間、万暦年間など、明時代の作品。
景徳鎮で焼かれた、明時代の青花の陶磁器の数々。まだその絵柄は、筆先も太く、素朴で、子供が描いた絵のように見えて、微笑ましい。
清の時代になると、目に見えて、その絵柄が精巧に、色合いが華やかになっていく。
真っ青な地の上に、白で、木蓮の花や葉が描かれている、雍正年間の景徳鎮。その色合い、青と白のバランス、何をとっても、ただただ美しい。
この展覧会、メインは明清時代の陶磁器だが、同時に展示されていた、同じ時代の絵画も面白かった。
4幅の掃象図は、象を大きな箒で掃いている、という不思議な図柄の屏風図。
揚州八家の一人、李方膺による、墨梅図。大胆な筆使いで、心象的な、梅の図。別な機会に目にした、長沢蘆雪の梅の描き方に似ている。
日本の絵師達も、そうした中国の作品を目にしていたのだろう。
2階の展示室にも、明清時代の中国の絵画が展示されていた。
清名上河図の模写を描いたことで名が知られる、仇英の作によると伝わる、巻物に書かれた竹林七賢図。細かい筆先で、代々パターン化されている、竹林の中の七人の賢人たちと、その付き人の子供達が描かれている。
2014年6月14日土曜日
Reflections of Holland: The Hague School and Barbizon (Sompo Japan Museum of Art)
(Translated by Google Translate)
The late 19th century, there was a painter who put his base of operations in The Hague in the Netherlands.
Painters of the Hague School, was under the influence of the Barbizon School of France. In the first room, a picture of the Barbizon School painters were exhibited. Corot, Theodore Rousseau, and Millet.
Jongkind was born in the Netherlands, but he drew a piece with the Barbizon School painters in France. Painter connecting the Hague School and the Barbizon School.
So far, was a painter that has not to much attention, but this day, I've watched intently the work of three of the Jongkind. The impression received from the works of Vermeer, a little piece of view, of Delft, give the impression of this town slightly different.
Watermill bridge over of Courbet, Lou river headwaters. Courbet, not the Barbizon School, but the painting that depicts the harshness of nature figure itself, also affected the Hague school.
Subsequently, the landscape of rural and seaside, the figure of farmers, work of The Hague school is exhibition is divided into the corner of the room, such as painting.
Not only the Netherlands, is Vaisenburufu, landscape painter to represent the 19 century. And the Great Plains of the Netherlands, spread on it, blue sky and white clouds. Exactly, that everyone visualize, landscape in the Netherlands, has spread in the canvas.
Each created a painting world of its own, three brothers Maris, have made it a colorful world of the Hague School.
The Josef Israels, works of figure painting in many cases. Impressive work is said that a young woman, that sewing is the Rembrandt of the second, is the delicate expression.
Rather than in the work of the other depicting the fisherman, and Rembrandt, is reminiscent of the figures painted by Millet, to such people, warm gaze, is expressed in the work.
In the last corner, works of Mondrian and Van Gogh were lined. Both of them are strongly affected by the Hague school.
The work of Van Gogh, sober work depicting the farmer the initial number, there is there the figure of Van Gogh that is different from the image that has been embraced in general.
Work of Mondrian, and windmill, the twilight's landscape but the line representing the trees reflection in the pond, which implies strongly, an abstract representation of the late already. Among the exhibition, most impressive, it was the work that remains in my mind.
The late 19th century, there was a painter who put his base of operations in The Hague in the Netherlands.
Painters of the Hague School, was under the influence of the Barbizon School of France. In the first room, a picture of the Barbizon School painters were exhibited. Corot, Theodore Rousseau, and Millet.
Jongkind was born in the Netherlands, but he drew a piece with the Barbizon School painters in France. Painter connecting the Hague School and the Barbizon School.
So far, was a painter that has not to much attention, but this day, I've watched intently the work of three of the Jongkind. The impression received from the works of Vermeer, a little piece of view, of Delft, give the impression of this town slightly different.
Watermill bridge over of Courbet, Lou river headwaters. Courbet, not the Barbizon School, but the painting that depicts the harshness of nature figure itself, also affected the Hague school.
Subsequently, the landscape of rural and seaside, the figure of farmers, work of The Hague school is exhibition is divided into the corner of the room, such as painting.
Not only the Netherlands, is Vaisenburufu, landscape painter to represent the 19 century. And the Great Plains of the Netherlands, spread on it, blue sky and white clouds. Exactly, that everyone visualize, landscape in the Netherlands, has spread in the canvas.
Each created a painting world of its own, three brothers Maris, have made it a colorful world of the Hague School.
The Josef Israels, works of figure painting in many cases. Impressive work is said that a young woman, that sewing is the Rembrandt of the second, is the delicate expression.
Rather than in the work of the other depicting the fisherman, and Rembrandt, is reminiscent of the figures painted by Millet, to such people, warm gaze, is expressed in the work.
In the last corner, works of Mondrian and Van Gogh were lined. Both of them are strongly affected by the Hague school.
The work of Van Gogh, sober work depicting the farmer the initial number, there is there the figure of Van Gogh that is different from the image that has been embraced in general.
Work of Mondrian, and windmill, the twilight's landscape but the line representing the trees reflection in the pond, which implies strongly, an abstract representation of the late already. Among the exhibition, most impressive, it was the work that remains in my mind.
オランダ・ハーグ派展（損保ジャパン東郷青児美術館）
19世紀後半、オランダのハーグに活動の拠点を置いた画家達がいた。
ハーグ派の画家達は、フランスのバルビゾン派の影響を受けていた。最初の部屋には、そのバルビゾン派画家達の絵が展示されていた。コロー、テオドール・ルソー、ミレーなど。
ヨンキントは、オランダに生まれたが、フランスでバルビゾン派画家達とともに作品を描いた。バルビゾン派とハーグ派をつなぐ画家。
これまで、あまり注目することのなかった画家だったが、この日は、そのヨンキントの3つの作品をまじまじと見入ってしまった。デルフトの眺め、という小さな作品は、フェルメールの作品から受ける印象とは、少し違ったこの町の印象を与える。
クールベの、ルー川源流にかかる橋の水車小屋。クールベは、バルビゾン派ではないが、自然そのものの荒々しさ姿を描くその絵画は、ハーグ派にも影響を与えた。
続いて、ハーグ派の作品が、農村や海辺の風景画、農民の姿、室内画などのコーナーにわけて展示される。
ヴァイセンブルフは、オランダのみならず、19世紀を代表する風景画家。オランダの大平原と、その上に広がる、白い雲と青い空。まさに、誰もが思い浮かべるような、オランダの風景が、そのキャンバスの中に広がっている。
マリス3兄弟は、それぞれが独自の絵画世界を作り出し、ハーグ派の世界を多彩なものにしている。
ヨーゼフ・イスラエルスは、人物画の作品が多い。縫い物をする若い女、という作品は、第2のレンブラントと言われる、その繊細な表現が印象的。
漁師を描いた他の作品では、レンブラントというよりは、ミレーの描く人物像を連想させ、そうした人々に対する、暖かい視線が、作品の中に表現されている。
最後のコーナーでは、ゴッホとモンドリアンの作品が並んでいた。二人とも、ハーグ派の影響を強く受けている。
ゴッホの作品は、初期の農夫を描いた地味な作品が多く、一般的に抱かれているイメージとは違ったゴッホの姿がそこにはある。
モンドリアンの、夕暮れの風車、という作品は、風景画だが、池に写る木々を表している線が、すでに後期の抽象的な表現を、色濃く暗示している。この展覧会の中でも、最も印象深く、心に残った作品だった。
French ceramics at the time of Impressionism 1886-1886, Maturity of Japonisme (Shiodome Museum)
(Translated by Google Translate)
Often, exhibition of Impressionist will be held, but that pottery, Impressionist rare indeed.
In the world of art, by all means, it is than the crafts, including pottery, painting, sculpture, and are more lofty.
But, well, was able to the eye in this exhibition, many of the really colorful pottery, deliver us me a rich time.
Painted pottery of white background, artworks such as depicted in Ukiyo-e Japanese, chicken, prawns, fish, flowers and other, Felix Black Mon, also in copper plate painter who exhibited paintings in Impressionist exhibition of 1st there.
Perhaps, the results may not be only as a printmaker and painter, painters who drew a picture in china, probably drew a picture to these ceramics.
Among them, the pot flowers were painted in vivid colors, as an alternative to the taking, some two children as sculpture, hanging, also pleasing work.
Is there a Dish to China and Japan, where large Dish such as Gauguin and Van Gogh, painting a vivid color is drawn, the impression completely different.
As a dish, and beautiful, but it also put the food on this, do not do not appear to be delicious too.
Food on board, when it is issued before those who eat it, Dish of Japan is believed to look like the most beautiful, but the dish of this place, seeking the beauty of the dish itself.
I wonder I felt when I just ceramics, weariness come, the places of the venue, paintings by Renoir, Monet and Sisley had on display, but in front of the ceramic colorful many, this more complete I have lost the.
Often, exhibition of Impressionist will be held, but that pottery, Impressionist rare indeed.
In the world of art, by all means, it is than the crafts, including pottery, painting, sculpture, and are more lofty.
But, well, was able to the eye in this exhibition, many of the really colorful pottery, deliver us me a rich time.
Painted pottery of white background, artworks such as depicted in Ukiyo-e Japanese, chicken, prawns, fish, flowers and other, Felix Black Mon, also in copper plate painter who exhibited paintings in Impressionist exhibition of 1st there.
Perhaps, the results may not be only as a printmaker and painter, painters who drew a picture in china, probably drew a picture to these ceramics.
Among them, the pot flowers were painted in vivid colors, as an alternative to the taking, some two children as sculpture, hanging, also pleasing work.
Is there a Dish to China and Japan, where large Dish such as Gauguin and Van Gogh, painting a vivid color is drawn, the impression completely different.
As a dish, and beautiful, but it also put the food on this, do not do not appear to be delicious too.
Food on board, when it is issued before those who eat it, Dish of Japan is believed to look like the most beautiful, but the dish of this place, seeking the beauty of the dish itself.
I wonder I felt when I just ceramics, weariness come, the places of the venue, paintings by Renoir, Monet and Sisley had on display, but in front of the ceramic colorful many, this more complete I have lost the.
フランスの印象派の陶磁器（パナソニック汐留ミュージアム）
印象派の展覧会は、度々、開催されるが、印象派の陶器、というのは実に珍しい。
アートの世界では、どうしても、絵画、彫刻が、陶器も含めた工芸作品よりも、より高尚なものであるとされる。
しかし、この展覧会で目にする事が出来た、実に多彩な陶器の数々は、十分に、豊かな時間を私に届けてくれた。
日本の浮世絵に描かれているような、鶏、車海老、魚、草花など作品を、白地の陶器に描いた、フェリックス・ブラックモンは、第1回の印象派展に絵を出展した銅板画家でもあった。
陶磁器に絵を描いた画家達は、おそらく、画家や版画家としてだけでは成果が出来ず、こうした陶磁器にも絵を描いたのだろう。
中には、花々が色鮮やかに描かれた壷に、とっての代わりとして、二人の子供が彫刻のように、ぶら下がっている、微笑ましい作品もある。
日本や中国にも絵皿はあるが、ゴッホやゴーギャンのような、色鮮やかな絵画が描かれた大きな絵皿は、全く違った印象を受ける。
皿としては、美しいが、この上に食べ物をのせても、あまり美味しそうには見えないのではないか。
日本の絵皿は、食べ物が乗って、それが食べる人の前に出された時に、最も美しく見えるように考えられているが、こちらの皿は、皿そのものの美しさを追求している。
陶磁器だけだと、飽きがくると感じたのだろうか、会場の所々には、ルノワール、モネ、シスレーなどの絵画作品が展示されていたが、これほど多くの色鮮やかな陶磁器の前では、完全に負けていた。
2014年6月7日土曜日
ハブロ・ピカソ 版画の線とフォルム（町田市立国際版画美術館）
ハブロ・ピカソの版画作品を、初期の時代から晩年の作品まで展示した、町田市立国際版画美術館の展覧会。
1905年に作られた、サルタンバンクの家族を描いた作品。サルタンバンクとは、サーカスの旅芸人のこと。まだ有名になる前の作品で、フォルムは、ごくシンプル。サーカスの練習を行う父と子、その横で幼い子供をあやす母親などが、シンプルな線で描かれている。
1935年のミノタウロスを描いた作品。牛の大きな頭、灯を掲げる少女の姿など、全体の構図は、ゲルニカに似ている。
ビュフォンの『博物誌』への挿絵として作成された、数々の動物の絵。そこには、いわゆるピカソのイメージはない。馬、牛、犬、ネコ、鳥、カエルなどの身近な動物が、誰にもそれとわかる表現で、普通に描かれている。
ホセ・デルガドの『闘牛技』という本の挿絵用に作られた、闘牛の版画。まるで、水墨画のような筆使いで、闘牛場の中の、闘牛、闘牛士、観客などを描いている。
以前、別な展覧会でこの作品を目にして、強烈な印象を受けた。その展覧会では、数点しか展示されていなかったが、ここでは、まとまった数の作品を目にすることが出来た。
この作品は、私がかつて目にした版画作品の中でも、屈指のものの一つだ。とにかく、素晴らしい。
ピカドールと牡牛の対決様子を描いた、槍という作品。それまでのモノクロの作品と違って、この作品は、赤と黄色で鮮やかに仕上げられている。スペインの国旗の色を使ったその作品は、ピカソの版画のまた別の魅力をよく表している。
版画作品だけで、これほど多彩な世界を楽しめるのは、さすがピカソ、といったところだろうか。
2014年6月1日日曜日
イメージの力（新国立美術館）
美術館である新国立美術館において、博物館である国立民族博物館のコレクションを展示する、というユニークな試み。
会場を入ると、いきなり、壁にかかった世界中の仮面が、来場者を睨みつけている。
普段は、来場者が作品を見る、という態度で臨む展覧会だが、その意表をついた演出は、この展覧会が、普段の物とは少し違うということを、冒頭で提示する。
落ち着きを取り戻し、壁に近寄って一つ一つの仮面を見ていくと、その多彩さに驚かされる。
日本のなまはげや、鹿踊の仮面は、自分には見慣れた物だが、世界中の仮面が集まった中では、始めはなかなか見つけられなかった。
普段は見慣れているものが、別なシチュエーションでは、違った物に見えるのだろう。
ニューギニア島のビス。死者をアナザーワルドに送るための柱。およそ6メートルほどの柱が何本も並ぶ姿は、まさに壮観。
ピカソを始め、数多くのアーティスト達が、こうした仮面などの作品を元に、自らの作品を作り上げてきた。
しかし、いわゆるこうした本物を目の前にすると、ピカソなどの芸術家たちの作品が、いかに貧弱で、みすぼらしいものであるかということがよくわかる。作品の持っているパワー、こちらに訴えかけてくる勢いが、まったく比べ物にならない。
ガーナの棺桶は、生前、その人が好きだった物をかたどって作られる。ライオン、飛行機、コーラの瓶などの形をした棺桶は、ほほえましく、葬儀という厳粛な場を忘れさせる。
現代においても、こうした民族的な制作物を作ってきた人々の精神は生きている。それは、決してアフリカやアジアの奥地だけではなく、日本や欧米の都会の暮らしの中にもある。
現代人が、何かの思いを込めて作り上げるものは、将来において、こうした作品となる。
イメージをすること、そして、何かの動きを起こし、何かを作ることの大切さ、楽しさ、痛快さを、この展覧会の展示品は、私たちに強烈なパワーとともに訴えている。
会場を入ると、いきなり、壁にかかった世界中の仮面が、来場者を睨みつけている。
普段は、来場者が作品を見る、という態度で臨む展覧会だが、その意表をついた演出は、この展覧会が、普段の物とは少し違うということを、冒頭で提示する。
落ち着きを取り戻し、壁に近寄って一つ一つの仮面を見ていくと、その多彩さに驚かされる。
日本のなまはげや、鹿踊の仮面は、自分には見慣れた物だが、世界中の仮面が集まった中では、始めはなかなか見つけられなかった。
普段は見慣れているものが、別なシチュエーションでは、違った物に見えるのだろう。
ニューギニア島のビス。死者をアナザーワルドに送るための柱。およそ6メートルほどの柱が何本も並ぶ姿は、まさに壮観。
ピカソを始め、数多くのアーティスト達が、こうした仮面などの作品を元に、自らの作品を作り上げてきた。
しかし、いわゆるこうした本物を目の前にすると、ピカソなどの芸術家たちの作品が、いかに貧弱で、みすぼらしいものであるかということがよくわかる。作品の持っているパワー、こちらに訴えかけてくる勢いが、まったく比べ物にならない。
ガーナの棺桶は、生前、その人が好きだった物をかたどって作られる。ライオン、飛行機、コーラの瓶などの形をした棺桶は、ほほえましく、葬儀という厳粛な場を忘れさせる。
現代においても、こうした民族的な制作物を作ってきた人々の精神は生きている。それは、決してアフリカやアジアの奥地だけではなく、日本や欧米の都会の暮らしの中にもある。
現代人が、何かの思いを込めて作り上げるものは、将来において、こうした作品となる。
イメージをすること、そして、何かの動きを起こし、何かを作ることの大切さ、楽しさ、痛快さを、この展覧会の展示品は、私たちに強烈なパワーとともに訴えている。
それぞれの近代美術（府中市美術館）
戦前、日本の植民地だった、韓国、台湾、満州において開催された、官展への出展作品を集めた、興味深い展覧会。
会場は、東京、ソウル、台北、そして長春という3つのコーナーに分かれていた。
山口蓬春の市場。ソウルの市場と思しき風景。市場の露天の屋根に使われている、白い布が、ちょうど洛中洛外図の金箔の雲のよう。その合間から、韓国の民族衣装を着た人々が行き交う、市場の様子がのぞいている。
梅原龍三郎の長安街。緑の木々の間に、赤茶の建物が所々に建っており、その色の対比が実に美しい。
イ・インソンの窓辺という作品は、マチス風のタッチで、窓辺の室内の風景を描いている。部屋の中の色の基調となっている赤が、何とも言えず、美しい。
イ・デウォンの庭。ゴーギャンのような、あるいは、ミロのような、個性的な画風で、農家の庭を描いた作品。地面の、赤黒い土の色が、印象的。
郭雪湖の円山付近。台湾の台北の郊外の風景を描いている。大作だが、農村の風景を、葉の一枚一枚まで描く、丹念な筆使いで描いている。全体の基調は緑で、そこに、土の薄い茶色がとけ込んでいる。
何気ない農村風景だが、桃源郷の風景のようにも見える。東洋人の心の中にある理想郷の姿が、そこには描かれているようだ。
陳進のサンティモン社の女。台湾の原住民の家族を描いた人物画。二人の女性が着ている民族衣装が、実に美しい。
こちらを見つめている、子供の表情は、ふだん抱いている台湾人のイメージとは違って、目鼻立ちがクッキリとしている。台湾という土地の、複雑な歴史が、この一枚の絵の中に、見事に表現されている。
満州の長春でも、戦前に官展が開かれたが、戦争の影響で、ほとんどの絵画は失われてしまった。当時の官展の様子を映した写真が、絵の代わりに展示されている。
そんな中でも、広大な農地を描いた、リョウ・ロンフォンの2つの作品は、他の失われた絵画を想像させる。
展示されている絵画のみならず、芸術、芸術家と国家の関係など、いろいろなことを考えさせてくれる、興味深い展覧会だった。
登録:
投稿 (Atom)