The Beautifies: Aestheticism of the United Kingdom 1860-1900 (Mitsubishi Ichigokan Museum, Tokyo)

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Mitsubishi museum Ichigokan there is close to Tokyo Station, Marunouchi. Thus, the collection of the Victoria and Albert Museum in London, England, late 19th century, the exhibition of aestheticism were made.

According to the catalog of the exhibition, this exhibition is that it is based on between 2011 to 2012, was held in London, Paris, San Francisco, the Cult of Beauty exhibition.

Exhibition of them seems to have been quite extensive, but this exhibition of Tokyo, seems to have been held on a smaller scale.

Garden of Hesuperudesu of Edward Burne-Jones. Around the monster that is clinging to tree, face to the emergence of Greek mythology became mouth most beautiful goddess in both ends are drawn. The mismatch, really beautiful.

Until now, speaking of painters of the century in the UK, painters of the Pre-Raphaelite Rossetti, Millais, of Jones, et al only did not know, but in this exhibition, George Frederick Watts, Frederic Leighton, Frederick Sands, I had the opportunity to see a picture of Albert Moore, et al.

In vivid colors, with delicate brush strokes, both depicts carefully indeed, a beautiful woman. Literally, It is the world view of Yuibi,.

Mrs. and our nobility, bourgeois emerging is depicted as a model of a beautiful portrait. Perhaps, it would have been deformed with all one's might, the portrait of Yuibi, girls must have been satisfied much.

Hoisurra, that it is taken up on the comparison with the Impressionists often, but it was also active in London in the late 19th century.

Nocturne: black and gold - in the dark, rotary fireworks are drawn rotary light of fireworks, but if there is no explanation, I do not know What's drawn. Artworks such as abstract painting. Obviously, I found the effect of Turner.

This series of Nocturne, drew a furious blame from Ruskin art critic.

In the etching work on the theme On the other hand, the landscape of the city of Amsterdam and London, every detail has been scrupulously drawn, I do not think the work of the very same painter.

Number of interpolation of books such as Salome by Beardsley people. Painting the world of black and white representing the unique view of the world, had a major impact on the future generations, such as animation.

In addition to painting, crafts many were exhibited. Jewelry red, blue, green, brooch was designed by Burne-Jones, model the shape of a beautiful bird.

In addition to the side table and cabinet, and beautiful wallpaper pot or dish, of Godwin of De Morgan, there is also a pottery brought from China and Japan, I can imagine how the lives of upper-class British century .

With a focus on London of the late 19th century, the situation of dire society at the time of the United Kingdom, too even form a contrast, many of the beautiful pieces on display in the hall, was interesting indeed.

ザ・ビューティフル 英国の唯美主義 1860-1900（三菱一号館美術館）

東京駅に近い、丸の内にある三菱一号館美術館。そこで、イギリス、ロンドンのヴィクトリア・アンド・アルバート博物館の収蔵する、19世紀後半の、唯美主義の展覧会が行われた。

展覧会のカタログによれば、この展覧会は、2011年から2012年にかけて、ロンドン、パリ、サンフランシスコで開催された、カルト・オブ・ビューティー展をもとにしているという。

それらの展覧会はかなり大規模だったようだが、この東京の展覧会は、規模を縮小して開催されたようだ。

エドワード・バーン＝ジョーンズのヘスペルデスの園。木にしがみついている、ギリシャ神話の登場する顔がほとんど口になった怪物を中心に、両端に美しい女神が描かれている。そのミスマッチが、実に美しい。

これまで、イギリスの世紀末の画家と言えば、ロセッティ、ミレイ、ジョーンズらのラファエロ前派の画家達しか知らなかったが、この展覧会で、ジョージ・フレデリック・ワッツ、フレデリック・レイトン、フレデリック・サンズ、アルバート・ムーアらの絵を見る機会を得た。

いずれも、美しい女性を、色鮮やかに、繊細な筆使いで、実に丹念に描いている。文字通り、唯美、の世界観だ。

貴族階級や、新興のブルジョアの夫人達が、美しい肖像画のモデルとして描かれている。おそらくは、思いっきりデフォルメしたであろう、唯美の肖像画に、彼女達はさぞかし満足したに違いない。

ホイスッラーは、印象派との比較で取り上げられることが多いが、19世紀後半にロンドンでも活躍していた。

ノクターン：黒と金−輪転花火は、暗闇の中に、輪転花火の光が描かれているが、説明がなければ、何が描いてあるのかよくわからない。抽象画のような作品。明らかに、ターナーの影響が見られる。

このノクターンのシリーズは、美術評論家のラスキンから猛烈な批難を浴びた。

その一方で、ロンドンやアムステルダムの都会の風景をテーマにしたエッチング作品では、細部まで克明に描かれており、とても同じ画家の作品とは思えない。

ビアズリーによるサロメなどの書物の挿画の数々。その独特な世界観を表したモノクロの絵画世界は、後世のアニメーションなどに大きな影響を与えた。

絵画の他に、数多くの工芸品が展示された。バーン＝ジョーンズのデザインしたブローチは、赤、青、緑の宝石で、美しい鳥の形をかたどっている。

ド・モーガンの皿や壷、ゴドウィンの飾り戸棚やサイド・テーブル、美しい壁紙などの他に、日本や中国からもたらされた陶器などもあり、世紀末のイギリスの上流階級の暮らしの様子が想像できる。

会場に展示された美しい作品の数々は、19世紀後半のロンドンを中心とした、イギリスの当時の悲惨な社会の状況と、あまりにもコントラストを成していて、実に興味深かった。

Your Portrait: A Tetsumi Kudo Retrospective (The National Museum of Modern Art, Tokyo)

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Anyway, it was an exhibition of a strong impact.

The name of the Kudo Akirami, I did not know at all. However, last year, from the day when I had it in my hand a brochure of this exhibition, I was looking forward very much to this day.

The expectation, at all, was never to be betrayed.

Works using a shape that is deformed male genitalia, imported philosophy. Throughout the life of Kudo, such as the male genitalia this, such as the form of insect pupae were used consistently.

Because of its shape, what explanation also does not need, anywhere in the world, give an overwhelming impression on what you see. Yayoi Kusama was also extensive use of this form is very young. Even if I put in Hinduism in India, and is expressed as a ringer. For human beings, it would be the most powerful image.

On a visit to Japan, Michel Tapie who had led the movement Anforumeru was high praise at the sight of young Kudo work. Then won the top prize at a Art Award, Kudo got the right to study in Paris for half a year in 1962 as the prize.

In Paris he visited with his wife Hiroko, was carried out "happening" sensational, Kudo, walked away with a big topic. Even there, that image had been used effectively. Since then, it will be active in Europe for a long time.

Work is also the name of this exhibition, that your portrait, to provoke what you see. Everyone will repel "This! Not me" and.

His work has stacked the box of four, in it, eyes and lips, and huge ears on. It's really grotesque.

Not limited to this work, work of Kudo, is full of view of life both. Not the artificial, and linear, you can feel is a feeling of cleanliness, something, mushy, have been Numenume, and fresh.

Era, which has been active in Europe, and also created works on environmental pollution and radioactivity, Kudo, had a deep interest in the idea of ​​ecology.

As might be expected, to around the topic by making happenings and sensational work, Kudo, was not the avant-garde artist simple. English nor French is doing, and accurately predict the trend of the times, he was blessed with high intelligence.

The work since 1980, works using a colorful thin thread went more. All too soon, the grotesque and the male genitalia will disappear, I have finished in beautiful really work.

In 1990, which has been taught at Tokyo National University of Fine Arts and Music of his alma mater, Kudo, passed away at the young age of 55. In recent years, re-evaluation is performed all over the world, the retrospective exhibition that is open.

Always, Kudo has been making works that facing the society. Era of live Kudo, the 1960s and 1980s, there were many such artists.

At present, it seems all is incorporated into the market, many artists, as is aimed that you dip a success in it.

Really, that society can not have artists like Kudo, I wonder said that a healthy society?

Thinking such a thing, was after the Tokyo National Museum of Modern Art of the venue.

あなたの肖像 工藤哲巳回顧展（東京国立近代美術館）

とにかく、強烈なインパクトのある展覧会だった。

工藤哲巳の名前は、全く知らなかった。しかし、昨年、この展覧会のパンフレットを手にした日から、この日をとても楽しみにしていた。

その期待は、全く、裏切られることはなかった。

男性性器をデフォルメした形状を使った作品、インポ哲学。この男性性器のような、昆虫のサナギのようなフォルムは、工藤の生涯を通じて、一貫して使用された。

その形状から、何の説明もいらず、世界中のどこでも、見る物に圧倒的な印象を与える。草間弥生も若い時期にこの形を多用した。インドのヒンドゥー教に置いても、リンガとして表現されている。人類にとって、最も強力なイメージだろう。

アンフォルメル運動を主導していたミシェル・タピエは、来日した際に、若き工藤の作品を目にして激賞した。その後、工藤は、ある美術賞で最優秀賞を獲得し、その賞品として1962年に半年間のパリ留学の権利を得た。

工藤は、妻の弘子とともに訪れたパリにおいて、センセーショナルな”ハプニング”を行い、大きな話題をさらった。そこでも、あのイメージは効果的に使われていた。その後も、長くヨーロッパで活動することになる。

この展覧会の名前にもなっている、あなたの肖像、という作品は、見る物を挑発する。誰もが、”これは私ではない！”と反発するだろう。

その作品は、4つの箱が重ねられており、その中に、巨大な目や唇、耳などが入っている。実にグロテスクだ。

この作品に限らず、工藤の作品は、いずれも生命観に満ちている。人工的な、直線的で、清潔感が感じられるものではなく、何か、どろどろ、ぬめぬめしていて、生々しい。

工藤は、ヨーロッパで活躍していた時代、放射能や環境汚染に関する作品も作り、エコロジーという思想にも深い関心を持っていた。

当然のことだが、工藤は、センセーショナルな作品とハプニングによる話題作りに周囲する、単純な前衛芸術家ではなかった。英語もフランス語もこなし、時代の流れを的確に見通す、高いインテリジェンスを持ち合わせていた。

1980年以降の作品には、色鮮やかな細い糸を使った作品が増えていった。いつのまにか、男性性器やグロテスクさは消え、実に美しい作品に仕上がっている。

工藤は、母校の東京芸術大学で教えていた1990年に、55歳の若さでこの世を去った。近年、世界中で再評価が行われ、その回顧展が開かれているという。

工藤は常に、社会に対峙する作品を作り続けてきた。工藤の生きた時代、1960〜80年代にかけては、そうした芸術家が多くいた。

現在では、すべてが、市場に取り込まれ、多くのアーティスト達は、その中での成功をひたすた目指しているように思える。

工藤のようなアーティストを持てない社会は、果たして、健全な社会と言えるのだろうか？

そんなことを考えながら、会場の東京国立近代美術館を後にした。

Ginko, Ryusei and Reiko KISHIDA Genealogy of Innovative Spirit (Setagaya Art Museum)

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Among modern paintings in Japan, Kishida Ryusei's Reikozo will be one of the most famous paintings.

Girl wearing a red dress, such as staring into the distance. Eye is thin, his face, have a look Asian typical Mongolian.

Even the real thing, even in the photo, Reikozo Kishida Ryusei drew a daughter of their own, have once seen, would have been inscribed in mind, a strong image.

The exhibition is held at the Setagaya Art Museum, and follow the father of Ryusei, Ginkgo and his daughter Reiko, it was an interesting content.

1833 of the Edo era, born to farmers in Okayama Prefecture, current, and study out in Edo and Osaka, first acquainted with Hepburn, Kishida ginkgo got the opportunity to play an active part in place a variety of.

This was followed by or served as chief editor of the newspaper, the production of eye drops first in Japan, and sell, a multi-activity.

The venue, newspaper article by means of the brush of Ginkgo, advertising of medicines, such as related photos were exhibited. Some, like there was also artistic taste, some works were also on display.

Born in 1891 as the ninth child of Ginkgo, Ryusei is going to aim the way to the painter soon. In the heart of Ginza, it was born, it had just also serves as residence in the pharmacy stores that ginkgo was engaged.

In the short life of the 38 years, Ryusei was greatly changed several times the style of painting. Initially, the technique of the Post-Impressionists such as Van Gogh, I drew well a landscape of Ginza, a self-portrait.

Approach of dense paintings such as Dürer, painted landscapes and portraits followed by a number. Then, in the technique of the original wind and Song Dynasty China, I drew a picture of vases flowers and then.

At the venue, I was able to taste the many drawn by these various techniques, the works of Ryusei.

Works corresponding to the time of the middle, and its rich oil painting, Reikozo is, can feel the atmosphere of the work of Dürer certainly.

However, half-length portrait of the woman, aware of the Mona Lisa Da Vinci clearly.

Ryusei is, drew in this work, it would be Reiko of his own daughter, but not only that, it might have been trying to draw something more universal.

It may exist that woman, or it may be existence of a larger human. Alternatively, rather young girls, but it may be a universal shape.

When Ryusei died, Reiko was 15 years old. She served as a stage actress, and or write a text or picture, Reiko, will perform a variety of activities.

If you look at her work and are drawn side by side with his father, the figure of the young myself, that memory, of August 1923, and the certainty of the arm as a painter of Reiko, what she had been loved by Ryusei how, I have seen that.

Immediately after summarizes the biography of his father, Reiko, passed away at the young of 48 years old.

Even so, what the relationship of these three people is likely to have a relationship.

From the lineage of such spirit, painter named Kishida Ryusei while being short life of '38 only, in the history of modern painting in Japan, had a devastating effect, when he was born, this exhibition tells seems to have wanted.

岸田吟香・劉生・麗子 知られざる精神の系譜（世田谷区美術館）

岸田劉生の麗子像は、日本の近代洋画の中でも、最も有名な絵画のひとつだろう。

赤い服を着て、遠くを見つめているような少女。その顔は、目が細く、典型帝なアジア系、モンゴル系の顔をしている。

岸田劉生が自分の娘を描いた麗子像は、実物でも、写真でも、一度見たら、脳裏に克明に刻み込まれてしまう、強烈なイメージを持っている。

世田谷区美術館で開催されたこの展覧会では、その劉生の父、吟香と、劉生、麗子の知られざる系譜をたどるという、興味深い内容だった。

岸田吟香は、江戸時代の天保4年、現在の岡山県の農家に生まれ、大阪や江戸に出て勉学し、ヘボンと知り合ってから、様々な場で活躍する機会を得た。

その後、新聞の主筆を務めたり、日本で最初の目薬を製造、販売するなど、マルチな活躍を行った。

会場には、吟香の筆による新聞記事、薬の広告、関連する写真などが展示されていた。多少、絵心もあったようで、いくつかの作品も展示されていた。

劉生は、その吟香の9番目の子として明治24年に生まれ、やがて画家への道を目指していく。生まれたのは、銀座の中心部で、吟香が営んでいた薬屋店舗で住居も兼ねていたところだった。

劉生は、その38年という短い生涯の中で、その画風を何度か大きく変えた。始めは、ゴッホのような後期印象派の手法で、銀座の風景な、自画像を良く描いた。

続いてデューラーのような濃密な絵画の手法で、多くの肖像画や風景画を描いた。そして、その後は中国の宋や元風の技法で、花や花瓶などの絵画を描いた。

会場では、そうした様々な技法で描かれた、劉生の作品の数々を味わうことが出来た。

麗子像は、その真ん中の時期に当たる作品で、その濃厚な油絵は、確かにデューラーの作品の雰囲気が感じられる。

しかし、その女性の半身像は、明らかにダヴィンチのモナリザを意識している。

劉生が、この作品で描いたのは、自分の娘の麗子であろうが、それだけでなく、もっと普遍的な何かを描こうとしたのだろう。

それは、女性という存在かもしれないし、もっと大きな人間という存在かもしれない。あるいは、幼い少女というものの、普遍的な形かもしれない。

劉生が亡くなったとき、麗子はわずか15歳だった。麗子は、舞台女優を務めたり、絵や文章を書いたりと、多彩な活動を行っていく。

父親と、幼い自分の姿を並んで描いている、1923年8月の思出、という彼女の作品を見ると、麗子の画家としての腕の確かさと、いかに彼女が劉生から愛されていたか、ということがよくわかる。

麗子は、父親の評伝をまとめた直後、48歳という若さでこの世を去った。

それにしても、この3人の関係は、何という関係であったのだろう。

わずか38年という短い生涯でありながら、日本の近代絵画の歴史に、圧倒的な影響を及ぼした岸田劉生という画家は、そうした精神の系譜の中から、誕生したのだと、この展覧会は伝えたかったようだ。

From the Collection: Where There is Light (The Museum of Modern Art, Kamakura)

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If you are walking the approach of the long cobblestone towards Kamakura, to Tsurugaoka Hachiman Temple, come see the sign of the museum always to the left.

Mismatch in the precincts on behalf of Japan, the historic shrine, that there is a museum of modern art is really good.

These have been held, by the work of the museum collection, exhibition of modern and contemporary paintings of Japan. Able overview of the Meiji era, the history of foreign film in Japan, it was the exhibition of interesting content.

If you look at the work of the early Meiji era Enoshima diagram of Takahashi Yuichi, at Cluny Museum of Goseda Yoshimatsu, such as still life, Matsuoka Hisashi, to understand the painting techniques of Europe, how to absorb it, a world of their own appearance of their How do I draw, are struggling come to mind.

Landscape Wan Tetsugoro is, painted in 1910, but landscape painting traditional, but in nude woman drawn in 1918, the style of painting changed at all, is in the style of painting of the so-called Wan Tetsugoro style.

Tainan landscape of Fujishima Takeji is, of works which depict the landscape of Taiwan was a colony of Japan at that time. It's casual landscapes, and Fujishima, and he tried to capture warm tropical, the landscape open-minded, and suggests that the situation of the era at the time.

Work called Trump Uchida Iwao is in the Trump family around the table, which is not a picture of a feeling that bright in any way, and hue, from the expression of the family, it is to give less-than-subtle anxiety and reading. In 1934, this picture was drawn, was in 1934.

Other, rare self-portrait Still Life Zushi landscape of Kuroda Seiki, Koide Naoomo, landscapes Kishida Ryusei, of Yuzo Saeki, Atami Nojima villa of colorful Umehara Ryuzaburo, such as building, Matsumoto Shunsuke, the Japanese works of great masters of modern foreign film was exhibited.

光のある場所 コレクションにみる近現代美術の現実感（神奈川県立近代美術館 鎌倉館）

鎌倉、鶴岡八幡宮へ向かう長い石畳の参道を歩いていると、左手にいつもこの美術館の看板が見えてくる。

日本を代表する、歴史的な神社の境内に、近代美術の美術館があるというミスマッチが、実にいい。

そこで開催された、同館のコレクション作品による、日本の近現代絵画の展覧会。明治以降の、日本の洋画の歴史が概観できる、興味深い内容の展覧会だった。

高橋由一の江の島図、五姓田義松のクリュニー美術館にて、松岡壽の静物、といった明治初期の作品を見ると、ヨーロッパの絵画技法を理解し、それをどのように吸収し、自分たちの世界をどのように描いたらいいか、格闘している彼らの姿が思い浮かぶ。

萬鉄五郎が、1910年に描いた風景は、伝統的な風景画だが、1918年に描かれた裸婦では、全く画風は変わり、いわゆる萬鉄五郎風の画風になっている。

藤島武二の台南風景は、当時日本の植民地だった台湾の風景を描いた作品。何気ない風景だが、南国の暖かい、開放的な風景を捉えようとする藤島、そして、当時の時代の状況などがうかがえる。

内田巌のトランプという作品は、家族がテーブルを囲んでトランプをしているが、決して明るいという感じの絵ではなく、色合いや、家族の表情から、そこはかとない不安が読みと得れる。この絵が描かれたのは、1934年、昭和9年だった。

他にも、黒田清輝の逗子風景、小出猶重の静物画、岸田劉生の風景画、佐伯祐三の珍しい自画像、色鮮やかな梅原龍三郎の熱海野島別荘、松本竣介の建物、など、日本の近代洋画の巨匠たちの作品が展示されていた。

Special Exhibition Zbynek Sekal (The Museum of Modern Art, Kamakura Annex)

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An approach to a shrine near the west side of the Tsuruoka Hachiman Shrine in Kamakura, The Museum of Modern Art, Kamakura Annex. Thus, the museum is collection, work sculptor of Czech Republic, of Zubinekku-Sequard has several points, it was exhibited as a special exhibition.

For Zubinekku-Sequard, previously, in this museum, there is the work called by the animal, and received a strong impression.

The work, strange creatures of three-legged is expressed. Include the line, part equal to the face, has become a crumpled, rather than the animal, it looks like a insect.

In any case, once seen, its shape, image, records in my mind.

Born in Prague in 1923, the second World War, Sequard had been sent to concentration camps by the Nazis.

After the war, there was also working for the publisher, it was translated into Czech works of Kafka. Immersed in the making of sculpture since the 1960s, and lived in Vienna since 1966. He died in the Vienna in 1998.

The venue, work of about 30 points about was on display. Sculpture in bronze, creature the human face, such as animals and birds, like a building, such as, most versatile.

When I see the work of Sequard, the shape, feel you do not have to worry a fixed concept, as is full of free ideas of writer.

In addition, the form is simple really, a symbolic impression is strong.

He have an experience that was spent in the concentration camps, but the work, such experience, does not seem to affect the direct.

Short rods various shapes have been combined, bronzes named movable structure looks like a building or like wood elongated.

It also looks like a totem pole, and it also looks like the so-called World Tree.

Is not limited to this work, work Sequard is wide open to the world. Nobody accepted not rejected, who, in any way as to interpret the work, and not care.

This exhibition, named Zubinekku-Sequard was supposed to be engraved deeply in my heart.

特別展示 ズビネック・セカール（神奈川県近代美術館鎌倉別館）

鎌倉の鶴岡八幡宮の西側の参道近くにある、神奈川県近代美術館鎌倉別館。そこで、同館が収蔵する、チェコの彫刻家、ズビネック・セカールの作品が何点か、特別展示として展示された。

ズビネック・セカールについては、以前に、この美術館で、アニマル、という作品によって、強烈な印象を受けたことがあった。

その作品は、三本足の奇妙な生き物が表現されている。顔に当たる部分は、線のようなものが、クシャクシャ、となっており、アニマルというより、昆虫のようにみえる。

いずれにしろ、その形、イメージは、一度見たら、脳裏に焼き付く。

セカールは、1923年にプラハで生まれ、第2次世界大戦中は、ナチスによって強制収容所に送られていた。

戦後は、出版社に勤め、カフカの作品をチェコ語に翻訳したこともあった。1960年代以降は彫刻の製作に没頭し、1966年以降はウィーンに暮らしていた。1998年にそのウィーンで没した。

会場には、およそ30点ほどの作品が展示されていた。ほとんどはブロンズの彫刻作品で、人の顔、動物や鳥などの生き物、建物のようなものなど、多彩。

セカールの作品を見ていると、その形状は、固定的な概念に捕われず、作家の自由な発想にあふれているように感じる。

しかも、形は実にシンプルで、シンボリックな印象が強い。

強制収容所で過ごしたという経験を持っているが、作品には、そうした経験は、直接的には影響していないように見える。

可動構造という名のブロンズ作品は、様々な形状の短い棒が組み合わされていて、細長い木のように、あるいは建物のように見える。

トーテムポールのようにも見えるし、いわゆる世界樹のようにも見える。

この作品に限らず、セカールの作品は、世界に向かって大きく開かれている。誰も拒まず受け入れ、誰が、どのように作品を解釈しても、おかまいなしだ。

ズビネック・セカールという名前は、この展覧会によって、私の心に深く刻まれることになった。

Travels in Art: Appreciation of Landscape in Premodern Japan (Seikado Bunko Art Museum)

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Vestiges of Musashino remains, Tucked away in the woods of Okamoto of Setagaya, Seikadobunko museum. Exhibition on the theme of paintings depicting These have been held, the various attractions of Japan.

One piece in the picture book painted by Sakai Hoitsu, Fuji view.

It is deformed boldly. Sky dark blue color. Solid white, underneath, clouds are Tanabii Fuji. And, in the sky, the sun is drawn to bright red circle.

Like, work even in modern advertising, I could use as it is. There is no choice but to simply just take my hat off to the design sense of Sakai Hoitsu.

And that it was published for the first time in seven years, was drawn to the Muromachi period, Katada view the old sliding door picture. In a manner of ink painting, mountains and upper right, in addition to a rural landscape in the lower left, nothing is drawn almost. Is there a there is aesthetics of omission.

On the other hand, was drawn in the Edo period, the Shijo Kawara recreation figure screen, some of the folding screen of the two songs even more not blank. People across Kabuki in Kyoto Shijo Kawara, function, the bridge people, and people dancing in the river, countless people have been drawn.

In addition, to prop pattern of the kimono of one person, such as a dish of the meal, it is written finely indeed. Also here, it's the form of the Japanese beauty of another.

Suzuki Fuyo in the Edo period, Nachisan large waterfall Amekei view. Spray that was shed in the wind from Nachi Falls on the left is depicted as the hem of the kimono on the right side.

Composition, such as those representing the state in which the power of God, will prevail on the ground. It's really interesting composition.

Kazero Maomomuki Figure winding Tano village of Takeda in the Edo period. Scroll spelled in the picture text, and poetry, and the recording of everyday Takeda is spent in residence in Kyoto.

Small house of their own views of the trees around, such as the lovely sight of sparrow. There is to say, also the world, literati, is wonderfully beautiful world.

Takeda's lived is that it was around Maruyama Park now. Of course, at present, vestiges of the time when Takeda lived does not remain at all. Forever, the world, he was lost.

Drawn in the Meiji, by Imao Kei year, the figure screen Yabakei of six songs further. Clearly, the impact of landscape painting in Europe can be seen.

Landscape of magnificent Yabakei is, overwhelm what you see first. When I approached well, along the shore of wild and new river, one person, such as the pea is sitting on the rock, and looking up at the majestic landscape.

Still, the Japanese landscape has been painted, I wonder if still exist.

描かれた風景〜絵の中を旅する（静嘉堂文庫美術館）

武蔵野の面影が残る、世田谷の岡本の森の中にひっそりと佇む、静嘉堂文庫美術館。そこで開催された、日本の様々な名所を描いた絵画をテーマとした展覧会。

酒井抱一の絵手鑑の中の一枚、富士山図。

大胆にデフォルメされている。空は濃い青一色。富士山は白一色、その下に、雲がたなびいている。そして、空には、真っ赤な円で太陽が描かれている。

まるで、現代の広告にでも、そのまま使えそうな作品。酒井抱一のデザイン・センスにはただただ脱帽するしかない。

7年ぶりに公開されたという、室町時代に描かれた、堅田図旧襖絵。水墨画の様式で、右上の山と、左下の農村風景の他は、ほとんど何も描かれていない。省略の美学がそこにはある。

一方で、江戸時代に描かれた、四条河原遊楽図屏風は、二曲一双の屏風の中には、空白はない。京都の四条河原での歌舞伎、能、橋を渡る人々、川で踊る人々など、無数の人々が描かれている。

しかも、一人一人の着物の模様、食事の皿などの小道具まで、実に細かく書き込まれている。こちらもまた、もうひとつの日本の美の形だ。

江戸時代の鈴木芙蓉による、那智山大瀑布雨景図。左側の那智の滝から風に流された水しぶきが、右側に着物の裾のように描かれている。

神の力が、地上に行き渡っていく様子を表現しているような構図。実に面白い構図だ。

江戸時代の田能村竹田の風露真趣図巻。竹田が京都の住まいで過ごした日常の記録を、文章、詩、そして絵で綴った巻物。

自分の小さな家、周りの木々の景色、雀の愛らしい姿など。これぞ、文人の世界、ともいうべき、素晴らしく美しい世界がそこにはある。

竹田が暮らしたのは、今の円山公園のあたりであったという。勿論、現在では、竹田が暮らしていた頃の面影は全く残っていない。その世界は、永遠に、失われてしまったのだ。

明治に描かれた、今尾景年による、六曲一双の耶馬渓図屏風。明らかに、ヨーロッパの風景画の影響が見て取れる。

壮大な耶馬渓の風景が、まず見る物を圧倒する。よく近づいてみると、荒々しい川の岸辺で、豆粒のような一人の人間が岩に腰掛けて、その雄大な風景を見上げている。

日本人が描いてきた風景は、今もまだ、存在しているのだろうか。

Ceramics Exhibition of China (Gotoh Museum)

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Away from the city center of Tokyo and close to the Tama River, Gotoh Museum in the Kaminoge. These have been held, exhibition of old pottery and mirrors of Chinese mansion collection.

Pottery of the first exhibition room about 60 points. From the Warring States period, over the Qing Dynasty, it is possible to outline the history of pottery in China, while small, the contents of which had been enhanced in ancient times.

Warring States period, of between 4-3 century BC, and ladle the amount of tile black lacquer. Due to the lacquer is painted on the surface, we are shiny, so, I do not think of pottery before more than 2000 years.

To say that over the lacquer to pottery, rare indeed. Shape with simplicity, there is no unnecessary parts. It also looks like the work of people art.

People of the general I wonder if he used. To some extent, people with economic power wonder was using.

Tricolored glazed pot million years of the Tang Dynasty. The pot million years, I say what shape is chubby. It's Tang San Cai, but are painted glaze of blue and green, as was hung down on the line on a white background.

Like, and like watching the work of Lee Ufan of contemporary art. Indeed, beautiful.

Among the pottery on display, it hits in half, approximately 30 points, work of Ming era with a focus on Jingdezhen. Blue flowers and a simple blue, and five colors bright colors on a white background.

Japan, as well as such works of the golden age of Chinese ceramics were exported and Europe Ottoman Turkey, all over the world. Already, from that era, China's was the workshop of the world.

The second exhibition room, a collection of old mirror of China until the Tang Dynasty from the Western Han Dynasty.

The longing in the mirror of China, ancient Japan was to cherish it. Himiko of Yamataikoku's mirror is, that was bestowed from the country of Wei, but the symbol.

The old mirror, the inscription is carved both. There, it was an opportunity to make a mirror is written. Complaining, hope and take credit for family, its prosperity in many cases. This not only reflects the appearance there of people simply, mirror, was also a Rekishiwokizamu thing.

中国の陶芸展（五島美術館）

東京の都心から離れた、多摩川に近い、上野毛にある五島美術館。そこで開催された、館収蔵の中国の陶器と古鏡の展覧会。

第1展示室の陶器はおよそ60点。古くは戦国時代から、清時代にかけて、中国の陶器の歴史を概観でき、小規模ながら、その内容は充実していた。

戦国時代、紀元前4−3世紀にかけての、瓦胎黒漆の量と勺。漆が表面に塗られているせいで、ピカピカしており、とても、2000年以上も前の陶器とは思えない。

陶器に漆をかけているというには、実に珍しい。形状は素朴で、余計な部分は全くない。民藝の作品のようにも見える。

一般の民衆が使っていたのだろうか。ある程度、経済力のある人々が使っていたのだろうか。

唐時代の三彩万年壷。万年壷とは、形状が丸々としているものを言う。唐三彩だが、白地に青と緑の上薬が、線上に垂らされたように塗られている。

まるで、現代アートの李禹煥の作品を見ているよう。実に、美しい。

展示された陶器のうち、半分にあたる、およそ30点は、景徳鎮を中心とした明時代の作品。白地に青のシンプルな青花と、色鮮やかな五彩。

中国の陶磁器の最盛期のそうした作品は、日本はもとより、オスマントルコやヨーロッパなど、世界中に輸出された。すでに、その時代から、中国は世界の工場であったのだ。

第2展示室は、前漢から唐時代までの中国の古鏡のコレクション。

古代の日本は、中国の鏡に憧れ、それを大切にした。邪馬台国の卑弥呼が、魏の国から授かったという三角縁神獣鏡は、その象徴だ。

古鏡には、いずれも銘文が彫られている。そこには、鏡を作るきっかけになったことが書かれている。一族の手柄や、その繁栄を願って、といった内容が多い。鏡は、単に人の姿をそこに映すだけでなく、歴史を刻むものでもあった。

Tea and Beauty - Soetsu Yanagi and the Way of Tea (The Japan Folk Crafts Museum)

(Translated by Google Translate)

Tucked away in Tokyo Komaba, Meguro, Japan Folk Crafts Museum. Thus, the exhibition to introduce held, the relationship of tea and Soetsu Yanagi.

The exhibition was done in concept to exhibit and tea issued Soetsu Yanagi went, the tea ceremony several times, and to reconstruct the tea party.

Soetsu Yanagi that intensely criticized essentially the world of tea drifting sense of stagnation. Instead, beauty is full of really, everyone will want to head to there, the world of tea willow has been presented, was such a world.

Was surprised most, variety of times and places that have been made ​​of such tea.

It thinks at first glance, Japan, Korea, and, I wish been about China at the very least, of the 19th century in Europe, said slip or wear of the United Kingdom, France, and Germany, from the Middle Ages, folk art of many was exhibited .

If you look closely well, certainly, you will notice that the images and depicted, silhouette, like Europe, and there is no description plate, to the end, work unaware and so in many cases.

You are born out of living of the people, the beautiful work that was snuggled up in life, such as the border that, no, in such work, the idea of willow Muneyoshi has clearly shown.

Hanging scroll also really versatile. Some artworks such as Otsue rustic, some travel and brush Sentei Ming Dynasty, also works like a dog figure. Delicate technique of Song view, two dogs of parent and child is depicted in the lovely state.

Seems to be drawn on the 16-17 century, the image of the Acala. Both eyes, is depicted in imbalance, though, it looks like a parody or, as modern art. It's like real estate and not afraid at all, this one is likely to be laughing.

Iron sand Ryubuntsubo made ​​Shiko Munakata had, in Korea in the 17th century. Literally, the dragon is depicted, but this, no matter how you look at it, is not visible to the dragon. It's like a centipede or caterpillar. Its simplicity is unbearable.

Rubbings of the Northern Wei period are on display several points. Carved towards its kanji a really amateurish, amateur than carved it? I do not think only the. Probably, Soetsu Yanagi would of loved its simplicity.

In addition, was exhibited, one point any one point as well, was really tasteful people from the Arts.

The world of tea of a different form and is divided into a variety of schools, and they've been caught up in fine Conventions, the modern tea ceremony, there were there.

At the entrance of the Japan Folk Crafts Museum, plum blossoms were blooming beautifully.

Plum fragrant embrace Muneyoshi's way of tea.

茶と美 柳宗悦の茶（日本民藝館）

東京、目黒の駒場にひっそりと佇む、日本民藝館。そこで、開催された、柳宗悦と茶の関わりを紹介する展覧会。

展示は、柳宗悦が行った、何回かの茶会に出された茶器などを展示し、茶会を再構成する、というコンセプトで行われていた。

閉塞感漂う茶の世界を強烈に、本質的に批判した柳宗悦。代わりに、柳が提示した茶の世界は、実に美が溢れ、誰もがそこに向かいたくなる、そんな世界だった。

一番驚かされたのは、そうした茶器の製作された時代や場所の多様さ。

一見すると、日本と、せめて朝鮮、中国くらいかなあ、と思いきや、イギリスのスリップウェアや、フランス、ドイツと言ったヨーロッパの、中世から19世紀にかけての、多くの民芸品が展示されていた。

よくよく見ると、確かに、描かれているイメージや、シルエットが、ヨーロッパらしいことに気づくが、説明板がないと、最後まで、そうとは気づかない作品が多かった。

民衆の暮らしの中から生まれてくる、生活に寄り添った美しい作品には、国境などない、という、柳宗悦の思想が、そうした作品に、明確に表れている。

掛け軸も、実に多彩。素朴な大津絵のような作品もあれば、明朝の宣帝の筆と伝わる、狗図のような作品もある。宋図の繊細な手法で、親子の二匹の犬が、愛くるしい様子で描かれている。

16〜17世紀に描かれたと思われる、不動明王の像。両方の目が、アンバランスに描かれており、まるで、現代アートのように、あるいはパロディのように見える。全く怖くない、こちらが失笑してしまいそうな不動様だ。

棟方志功が持っていた、17世紀の朝鮮で作られた鉄砂龍文壷。文字通り、龍が描かれているが、これが、どうみても、龍には見えない。毛虫やムカデのようだ。その素朴さが堪らない。

北魏時代の拓本が何点か展示されている。その漢字の彫り方が実に稚拙で、素人が彫ったのでは？としか思えない。恐らく、柳宗悦は、その素朴さを愛したのだろう。

その他にも、展示されていた、どの1点1点も、実に味わい深い民藝品だった。

いろいろな流派にわかれ、細かい決まり事にがんじがらめになってしまっている、現代の茶道とは違った形の茶の世界が、そこにはあった。

日本民藝館の入り口には、梅が綺麗に咲いていた。

宗悦の　茶への思いに　梅も香る

The Nostalgic Images of Edo (Chiba City Museum)

(Translated by Google Translate)

Chiba City Museum of Art is known for its extensive collection of ukiyo-e, exhibition a big way on Ukiyo-e was held.

In a related development, about the same time, in the Edo-Tokyo Museum, Ukiyo-e large exhibition was held, in the ukiyo-e fan, it became unbearable the new year.

The exhibition at the Edo-Tokyo Museum, was content to end from the birth of ukiyo-e, such as, an overview of the whole picture, but the Chiba City Museum of Art of this place, was focused on the theme of Edo.

From a called ukiyo-e, it seems various places of the time, scene, people, as depicted there, but, in fact, many of the themes depicted in Ukiyo-e, it is limited unexpectedly.

One, Yoshihara. The established society and the general of Edo, gorgeous world. For ordinary people, a person with limited only enter is not allowed, the space of mystery, wonder was of great interest.

More than anything, the eyes go to the beauty of the gorgeous kimono that gorgeous.

The large-format color print of KeiHitoshi Eisen, the figure of a prostitute who is wearing a gorgeous costume, are learning accomplishment shamisen, koto, reading, and writing are drawn.

Typified by the Kansei beautiful view of Utamaro, beautiful view. At first glance, appear to be exactly the same, beautiful woman of the three persons of Utamaro. While looking good, it's little by little better, but come see the difference.

Rather than the expression of the woman, gesture fine woman, kimono wearing, like props and background, Utamaro, depicts the personality of the woman.

Kabuki, one of the themes typical ukiyo-e drew. In particular, by Danjuro is that boasted a popular unusual compared to other actors, ukiyo-e depicting Danjuro many were on display.

And, again, the brilliant costume gets a lot of looks. Unlike the beautiful image, the picture actor, the personality of the actor of the individual, are divided draw clearly the expression.

In the form of eyes and nose characteristic, someone's drawn, Kabuki fans at the time, should have known immediately.

According to Toyokuni, in the ukiyo-e depicting the dressing room of Danjulo, there is no appearance of Danjulo. However, in the make-up mirror, face Danjulo of having been subjected to the shaded red is reflected. Like, such as Las Meninas of Velazquez, it's witty production.

And, the last theme, the number of ukiyo-e depicting Mount Fuji variety. And say Mount Fuji, the three 36 Views Fugaku of Hokusai come to mind, but otherwise, painter has many depict Mount Fuji.

Composition from the town of Edo, Mount Fuji in the distance that, looking through has become a presence, such as the standard most.

The simple silhouette of Mount Fuji, a person who is easy to draw, it was seen, it can be seen that from its shape, called Fuji easily.

Rather than those through the Edo period, was drawn in Ukiyoe artist who drew it, and figure, of itself of Edo, landscape I think that people, to the eye usually is small, and would like to see, and such as a person, was.

In that sense, it might be good to say Depicted in Ukiyo-e, the dream, the common people of Edo.

江戸の面影 浮世絵は何を描いてきたのか（千葉市美術館）

浮世絵の豊富なコレクションで知られる千葉市美術館で、浮世絵に関する大々的な展覧会が開催された。

折しも、ほぼ同時期に、江戸東京博物館で、大浮世絵展が開催され、浮世絵ファンには、たまらない年明けとなった。

江戸東京博物館の方は、浮世絵の誕生から終焉まで、その全体像を概観する、といった内容だったが、こちらの千葉市美術館は、江戸、というテーマに焦点を絞っていた。

浮世絵、という名前からすると、その時代のいろいろな場所、場面、人々が、そこに描かれているように思えるが、実は、浮世絵に描かれているテーマの多くは、意外と限られている。

一つは、吉原。江戸の一般の社会とは確立された、華やかな世界。限られた人しか入ることが許されない、その神秘の空間は、庶民にとっては、大きな関心の的だったのだろう。

何よりも、その絢爛豪華な着物の美しさに目がいく。

渓斎英泉の大判の錦絵には、華やかな衣装を着て、三味線、お琴、読書、書などの芸事を学んでいる遊女達の姿が描かれている。

歌麿の寛政三美人図に代表される、美人図。一見すると、全く同じように見える、その歌麿の三人の美女。よくよく眺めているうちに、少しづつだが、違いが見えてくる。

歌麿は、女性の表情ではなく、女性の細かい仕草、着ている着物、背景や小道具などで、その女性の個性を描いている。

歌舞伎も、浮世絵が描いた代表的なテーマの一つ。特に、団十郎は、他の役者に比べて飛び抜けた人気を誇っていたということで、多くの団十郎を描いた浮世絵が展示されていた。

そして、ここでも、その華麗な舞台衣装が目を引く。美人画と違い、役者絵では、個々の役者の個性が、その表情で明確に描き分けられている。

特徴的な目や鼻の形で、当時の歌舞伎ファンたちは、描かれているのが誰か、すぐにわかったはずだ。

豊国による、団十郎の楽屋を描いた浮世絵では、団十郎の姿はない。しかし、化粧鏡の中に、赤い隈取りを終えた団十郎の顔が映っている。まるで、ベラスケスのラス・メニーナスのような、洒落た演出だ。

そして、最後のテーマは、富士山を描いた浮世絵の数々。富士山というと、北斎の富嶽三十六景が思い浮かぶが、それ以外にも、多くの絵師が富士山を描いている。

江戸の町中から、遠くの富士山が覗いている、という構図は、ほとんどスタンダードのような存在となった。

富士山のシンプルなシルエットは、描きやすく、見た人は、その形から、簡単に富士山ということがわかる。

江戸時代を通じて、絵師達が描いた浮世絵に描かれていたものは、江戸のそのものの姿、というよりは、人々が、普段は目にすることが少なく、見てみたいと思う風景、人物、などだった。

その意味では、浮世絵に描かれているのは、江戸の庶民の夢、と言ってもいいのかもしれない。

Private Utopia - Contemporary Art from the British Council Collection (Tokyo Station Gallery)

(Translate by Google Translate)

Tokyo Station last year, it is renovated, has been reopened in a big way. Move from place of conventional, Tokyo Station Gallery were among the also, was re-opened.

I also visited the exhibition on the theme of reopened and a train station. After you have renewed, and visit here, Will it be third time now.

The exhibition, called current subtitle, of British art to be seen in the British Council Collection is on.

Speaking of the UK, in a little earlier, Turner exhibition was held at the Tokyo Metropolitan Art Museum in Ueno, around the same time and this exhibition, in Mitsubishi Ichigokan, 19th century, the Pre-Raphaelite exhibition at Mori Arts Center Gallery exhibition of aestheticism of is being held.

Theme in contemporary art, the exhibition of three of the above, it was held in the Tokyo Station Gallery, and this has been in what has been a little different.

First, the concept of the British Council collection called Museum Without Walls,, I've been fascinated.

The British Council does not have an exhibition facilities museums and as a so-called building. Collection is carried to the place where it is stored is placed in the container crate a special called (wooden box), the exhibition will be held.

All of which can be viewed on the Web site of the collection. The total number, that there be 9,000 points.

In this exhibition, which was held in Tokyo, among them, by artists of 30 people, painting, video work, such as objects, works of various kinds were exhibited.

Concept of the Council of Museum Without Walls was embroidered, work called British Council Collection Banner, Ed Hall, colorful tapestry.

Taka Tak, by Haroon Mirza. It is composed of objects that reproduced with vinyl records and images when visiting Pakistan, the sound. Naive is in the good sense, would feel like, like watching a school festival of the University.

What you say, what works well, really familiar feeling. Never, instead of telling a big story, as it is, you have to work life-size, that is around you, that day-to-day.

Exaltation tension and unique that have visited the museum, it is not felt at all.

Like, Will it be the image that have visited as a friend, the house of each artist. It is really comfortable.

If you look at the artist's profile, there is also a winner of the Turner Prize our prestigious of England, both our present age artists leading.

It did so, from the works of his Successors Turner, and Rossetti, literally, it is possible to hear the figure of current British art.

The Japanese homepage of the British Council, a dedicated page of this exhibition is provided, there are individual pages to introduce the artists of all participating.

In that each page works almost on display this time is in fact, have been featured in the photograph. At the venue, guidebook had been sold, but if you look at this page, there will not even need to buy it.

プライベートユートピア ここだけの場所（東京ステーションギャラリー）

昨年、改装されて、大々的にリニューアル・オープンされた東京駅。その中にあった東京ステーションギャラリーも、従来の場所から移動して、再オープンした。

リニューアル・オープンの、駅をテーマにした展覧会も訪れた。リニューアルしてから、ここを訪れるのは、これで3回目だろうか。

今回の展覧会は、ブリティッシュ・カウンシル・コレクションにみる英国美術の現在、という副題がついている。

イギリスと言えば、少し以前に、上野の東京都美術館でターナー展が開催され、この展覧会と期を同じくして、森アーツセンターギャラリーではラファエル前派展を、三菱一号館美術館では、19世紀の耽美主義の展覧会が開催されている。

この東京ステーションギャラリーで開催されたのは、テーマが現代アートで、上記の3つの展覧会とは、少し違った内容になっていた。

まず、Museum Without Walls、というブリティッシュ・カウンシル・コレクションのコンセプトに、魅せられてしまった。

ブリティッシュ・カウンシルは、いわゆる建物としての美術館や展示施設を有していない。コレクションは、特製のクレート（木箱）という容器に入れられ保管され、展覧会が開催される地まで運ばれる。

その全ては、コレクションのWebサイトで閲覧することが出来る。その総数は、9,000点もあるという。

東京で開催されたこの展覧会では、その中から、30人のアーティストによる、絵画、映像作品、オブジェなど、様々な種類の作品が展示されていた。

エド・ホールのBritish Council Collection Banner、という作品は、Museum Without Wallsというカウンシルのコンセプトが刺繍された、色鮮やかなタピストリー。

ハルーン・ミルザのTaka Tak、というオブジェ。パキスタンを訪れた時の映像と、その音をレコード盤で再現したオブジェで構成されている。そのいい意味での稚拙さは、まるで、大学の学園祭を見ているような気分になる。

どの作品も、何と言うか、実に身近な感じ。決して、大きなストーリーを語っているのではなく、自分の周りにあること、日常的なことを、そのまま、等身大の作品にしている。

美術館を訪れている、という独特の緊張感や高揚は、全く感じない。

まるで、それぞれのアーティストの家を、友人として訪れている、というイメージだろうか。それが、実に心地よい。

アーティスト達の経歴を見ると、イギリスの権威あるターナー賞の受賞者達もあり、いずれも一流の現代アーティスト達だ。

そうした、ターナー、ロセッティなどの後継者たちの作品から、文字通り、英国美術の現在の姿を伺うことができる。

ブリティッシュ・カウンシルの日本語のホームページは、この展覧会の専用のページが設けられており、参加している全てのアーティストを紹介する個別のページがある。

その各ページでは、今回実際に展示されたほとんどの作品が、写真で紹介されている。会場では、ガイドブックも販売されていたが、このページを見れば、それを買う必要もないだろう。